Computerspielmusik: Funktion und adaptive Techniken

Musik in Computerspielen wird oft gezielt eingesetzt. Man sagt auch: Sie hat eine Funktion, also eine Aufgabe. Ähnlich wie Filmmusik trägt sie mit Gefühlen zur Atmosphäre des Spiels bei. Atmosphäre ist die Stimmung, die ein Ort oder eine Szene ausstrahlt, zum Beispiel gemütlich, geheimnisvoll oder unheimlich. Eine Szene ist ein kurzer Abschnitt der Handlung. Außerdem kann Musik die Geschichte des Spiels deutlicher machen.

Bild und Ton wirken zusammen. Das kann verstärken, dass du in die Spielwelt eintauchst, als wärst du selbst dort. Musik und Geräusche können dir auch Informationen geben: Sie können auf Gefahren oder wichtige Ereignisse hinweisen. Eine einprägsame Melodie kann ein Spiel außerdem wiedererkennbar machen. Die Musik des Spiels „Tetris“ gilt unter Spielefans als einer der ikonischsten Soundtracks, also als besonders bekannt und unverwechselbar. Ein Soundtrack ist die Musik zu einem Spiel oder Film.

Oft merkst du die Musik gar nicht bewusst. Sie ist meist so gemacht, dass sie unterbewusst wirkt: Sie beeinflusst dein Gefühl, ohne dass du genau hinhörst. Ton kann ein Bild mit Bedeutung füllen, es verständlicher machen oder sogar einen Gegensatz zum Bild bilden. Fachleute ordnen diese Wirkungen auf sehr viele verschiedene Arten. Die Liste unten ist also eine Auswahl.

In der Filmmusik unterscheidet man drei Kompositionstechniken. Eine Kompositionstechnik ist eine Art, wie ein Komponist Musik und Bild miteinander verbindet. Alle drei Techniken kommen auch in Computerspielen vor.

Bei der Mood-Technik (englisch „mood“ bedeutet Stimmung) schafft die Musik eine Grundstimmung für eine ganze Szene. Musik und Bild hängen locker zusammen: Die Musik zeichnet nicht jede Handlung im Bild nach. Sie kann auch zeigen, wie sich eine Figur innerlich fühlt. Josef Kloppenburg, ein Fachmann für Filmmusik, beschreibt es so: Das Musikstück soll einem Ort der Handlung oder einer Stimmung „schlicht und einfach ‚entspricht‘“, ohne auf Einzelheiten einzugehen.

Bei der Motiv-Technik, auch Leitmotiv-Technik genannt, bekommt eine Person oder eine Situation ein eigenes Motiv. Ein Motiv ist eine kurze, gut wiedererkennbare Tonfolge. Es taucht im Verlauf immer wieder auf. Kloppenburg schreibt, dass „Personen oder Begebenheiten der Handlung vom Komponisten mit markanten musikalischen Figuren versehen“ werden. Markant heißt auffällig und leicht zu erkennen. Die Technik lehnt sich an die Werke von Richard Wagner an, der im 19. Jahrhundert Opern komponierte. Sie wurde schon in Stummfilmen genutzt, also in Filmen ohne eigene Tonspur. Ein bedeutendes jüngeres Beispiel sind die Filmmusiken von John Williams zu „Star Wars“. In Computerspielen gilt die Reihe „Monkey Island“ als frühes und bekanntes Beispiel: Die Erkennungsmelodie des Geisterpiraten LeChuck kehrt in allen Teilen wieder.

Beim Underscoring begleitet die Musik direkt, was im Bild passiert. Das kann so weit gehen, dass fast jede Bewegung in Musik übersetzt wird, wie in frühen Zeichentrickfilmen von Walt Disney. Diese besonders starke Form heißt Mickey-Mousing. Underscoring kann auch Gefühle der Figuren zeigen. Es passt eher zu Filmen, weil die Bilder dort in einer festen Reihenfolge kommen. Im Spiel entscheidet dagegen der Spieler, was er tut. Häufig genutzt wird Underscoring bei sogenannten Skriptsequenzen: Das sind vorher festgelegte Ereignisse, die starten, wenn der Spieler einen bestimmten Teil eines Levels betritt. Ein Level ist ein Abschnitt des Spiels. Solche Ereignisse werden oft mit Musik untermalt.

Die meisten Spiele sind so gebaut, dass sie mehrere Stunden unterhalten. Läuft dabei immer dasselbe Musikstück, wirkt es schnell eintönig und kann den Spieler stören. Damit Spielmusik lebendig wirkt, nennt Jesper Kaae, ein Fachmann für Musik und Technik, zwei Mittel: Variabilität und Adaptivität.

Bei der Variabilität setzt der Computer vorgefertigte Musikbausteine zufällig zusammen. So entsteht das Stück, das du hörst. Kaae vergleicht das mit dem „Klavierstück XI“ des Komponisten Karlheinz Stockhausen. Darin stehen 19 einzelne Abschnitte auf einem großen Notenblatt. Wer das Stück spielt, entscheidet spontan, welche Abschnitte erklingen. Ist die Musik als Notenbefehle für den Computer gespeichert, sogenannte MIDI-Daten, kann der Computer sogar einzelne Töne verändern, zum Beispiel ihre Lautstärke oder Dauer, und zwar innerhalb festgelegter Grenzen. Kaae sieht darin Vorteile: Diese Methode braucht nicht viel Speicher, und die Musik klingt immer wieder „neu“.

Von Adaptivität spricht man, wenn die Musik auf die Handlungen des Spielers reagiert. Das ist im Spiel wichtig, weil der Spieler meist selbst entscheidet, wie er sein Ziel erreicht. Filmmusik wird zu Bildern geschrieben, die schon feststehen. Spielmusik muss dagegen flexibel auf das reagieren können, was der Spieler tut.

Der Unterschied liegt also im Grund der Veränderung: Variable Musik ändert sich durch Zufall, auch wenn du gerade nichts Besonderes tust. Adaptive Musik ändert sich, weil du etwas tust.

Um die Musik einer Spielszene zu untersuchen, kannst du vier Fragen stellen. Erstens: Welche Spielzustände gibt es? Ein Spielzustand ist eine Lage im Spiel, zum Beispiel Erkunden, Schleichen oder ein Rätsel lösen. Zweitens: Welche Funktion hat die Musik in jedem Zustand? Drittens: Welche Technik steckt dahinter? Viertens: Was löst eine Veränderung aus? Ein Auslöser ist das Ereignis, das den Musikwechsel startet.

Für den Wechsel gibt es verschiedene Wege. Eine einfache Möglichkeit: Für verschiedene Spielzustände gibt es verschiedene Musikstücke, etwa eins für das Erkunden und eins für einen Kampf. Der Sounddesigner Tim van Geelen beschreibt in seinem Aufsatz „Realizing groundbreaking adaptive music“ mehrere Techniken. Ein Sounddesigner gestaltet Klänge und Musik für Spiele oder Filme. Beim Layering (englisch für „Schichten übereinanderlegen“) wird eine weitere Stimme über die laufende Musik gelegt. Als Beispiel nennt er das Spiel „Tomb Raider: Legend“: Dort werde in Actionszenen häufig eine Gitarrenstimme über die atmosphärische Hintergrundmusik des Levels gelegt. Van Geelen bezweifelt allerdings, dass dies stärker in die Spielwelt hineinzieht, weil der Effekt sehr vorhersehbar wirke. Bei den sogenannten Transitions (englisch für „Übergänge“) schreibt der Komponist zusätzlich kurze Übergangsstücke, die von einem Musikstück zum nächsten führen. So wird der Wechsel flüssig, das Schreiben kostet aber viel Zeit. Diese Namen benutzt van Geelen; andere Fachleute können die Techniken anders einteilen und benennen.

Ein System für solche Wechsel heißt iMUSE. Es unterbricht die laufende Musik mit kurzen Einschüben, die zur Situation passen, und verbindet sie durch veränderliche Übergänge. Danach spielt es die ursprüngliche Musik weiter. So entsteht der Eindruck einer durchgehenden Musik, die sich dem Spiel anpasst. Bis dahin war es ganz üblich, für jede Spielszene eine feste, unveränderliche Musik zu verwenden. Im Spiel „The Chronicles of Riddick: Escape from Butcher Bay“ hat jedes Musikstück eine Schleich-Version und eine Action-Version. Wird der Spieler beim Schleichen von Wachen entdeckt, wird in die Action-Version übergeblendet: Die eine Musik wird leiser, die andere lauter. Beide Versionen enthalten dasselbe Hauptthema, deshalb wirkt der Wechsel flüssig.

Für deinen eigenen Entwurf legst du fest: welche Zustände es gibt, welche Musik zu jedem passt, welcher Auslöser den Wechsel startet und wie der Übergang klingt. Du kannst zusätzlich Variabilität einplanen, damit lange Abschnitte nicht eintönig werden.