Satztechnik: Homophonie und Polyphonie erkennen

In mehrstimmiger Musik erklingen mehrere Stimmen gleichzeitig. Eine Stimme ist eine einzelne Tonlinie, die jemand singt oder spielt, zum Beispiel der Sopran in einem Chor oder die linke Hand am Klavier. Mit Satztechnik ist gemeint, wie ein Komponist diese Stimmen zueinander setzt. Die wichtigste Frage dabei lautet: Welche Aufgabe hat jede Stimme?

Homophonie (auch Homofonie, griechisch homophōnía, „Gleichklang“) ist eine mehrstimmige Satzweise. Eine Form davon ist der Akkordsatz: Alle Stimmen sind rhythmisch gleich oder fast gleich gebaut. Das nennt man homorhythmisch. Die Musik erscheint dann im Wesentlichen als eine Folge von Akkorden. Ein Akkord ist ein Klang aus mehreren Tönen, die gleichzeitig erklingen. Ein Musterbeispiel ist der vierstimmige Choralsatz: Ein Kirchenlied (Choral) wird für Sopran, Alt, Tenor und Bass gesetzt, die vier Chorstimmen von hoch nach tief.

Häufig führt in homophoner Musik eine Stimme die Melodie, und die anderen begleiten sie mit Akkorden, etwa bei Gesang mit Gitarrenbegleitung. Die Begleitung kann dabei einen anderen Rhythmus haben als die Melodie, zum Beispiel gleichmäßige Akkorde unter einer bewegten Melodie. Entscheidend ist ihre Funktion: Sie stützt die Melodie und ist keine eigene, gleichwertige Melodie. Wer auf einer Gitarre nur Akkorde spielt statt mehrerer selbstständiger Melodien, spielt deshalb nicht polyphon.

Polyphonie (altgriechisch polý, „viel“, und phonḗ, „Stimme“) bedeutet die Selbstständigkeit und Unabhängigkeit der Stimmen eines Stücks. Die Stimmen sind im Wesentlichen gleichwertig. Das zeigt sich darin, dass sie unterschiedliche Rhythmen, Tonhöhenverläufe und Tondauerverläufe haben. Polyphone Musik verfolgst du deshalb eher waagerecht: Du hörst oder liest jede Stimme als eigene Linie. Komponisten führen solche Stimmen nach den Regeln des Kontrapunkts. So heißt die Lehre davon, wie man selbstständige Stimmen gegeneinander setzt. Sie wird seit der Renaissance gelehrt, der Epoche nach dem Mittelalter.

In Europa entwickelten sich vom Spätmittelalter bis zum 18. Jahrhundert bestimmte Techniken der Polyphonie. Ende des 18. Jahrhunderts traten sie zurück, in der Musik des 20. Jahrhunderts wurden sie teilweise neu belebt. Achtung: Das Wort „polyphon“ kann auch einfach „mehrstimmig“ bedeuten. Ein Beispiel ist der Synthesizer, ein elektronisches Musikinstrument: Kann er mehrere Töne gleichzeitig erzeugen, nennt man ihn „polyphon“. In dieser Lektion geht es um Polyphonie als Satztechnik, also um selbstständige Stimmen.

Ein Motiv ist eine kurze, wiedererkennbare Tonfolge aus wenigen Tönen. Ein Thema ist ein längerer musikalischer Gedanke, auf dem ein Stück aufbaut. Imitation (lateinisch imitatio, „Nachahmung“) heißt: Ein Thema oder Motiv erscheint in einem Musikstück, typischerweise einem polyphonen, nacheinander in verschiedenen Stimmen. Die Nachahmung kann streng sein, also notengetreu wie beim Kanon, oder frei, also leicht verändert. Der Beginn des Themas bleibt dabei meist genau erhalten.

Um Abstände zwischen Tönen zu benennen, brauchst du Intervalle. Ein Intervall ist der Abstand zweier Töne. Du zählst die Tonstufen und beide Töne mit: Von c bis e sind es drei Stufen (c, d, e), also eine Terz. Vier Stufen heißen Quarte, fünf Quinte, sechs Sexte und acht Oktave. Bleibt es derselbe Ton, heißt das Prime. Geht eine Melodie zur benachbarten Tonstufe, zum Beispiel von c zu d, sind das zwei Stufen, eine Sekunde. Das nennt man einen Schritt; größere Abstände wie eine Terz heißen Sprung.

Ein Kanon (griechisch für „Maßstab, Richtschnur, Regel“) ist eine mehrstimmige Komposition, in der eine Stimme nach der anderen einsetzt. Die erste Stimme ist die Richtschnur: Die anderen Stimmen kopieren sie exakt. Meist verfolgen alle Stimmen dieselbe Melodie auf gleicher Tonhöhe (Prime) oder eine Oktave versetzt, nur zeitlich verschoben. Es gibt aber auch Kanons, in denen die weiteren Stimmen im Abstand einer Terz, Quarte oder Quinte folgen. Auch in der Fuge, einem polyphonen Stück über ein Thema, wandert das Thema nacheinander durch die Stimmen; mehr dazu im letzten Abschnitt.

Motivische Verarbeitung heißt: Ein Komponist verändert ein Motiv oder Thema, aber es bleibt erkennbar. Vier Verfahren solltest du kennen. Bei der Umkehrung bleibt die Reihenfolge der Tonbewegungen gleich, aber jede Richtung wird gespiegelt: Was aufwärts ging, geht abwärts, und umgekehrt. Die Größe jeder Tonbewegung in Tonstufen bleibt. Der Krebs oder Krebsgang ist das Rückwärtsspielen einer Notenpassage, also auch ihres Rhythmus. Man spricht vom Spiegeln an der Vertikalen, an einer senkrechten Linie im Notenbild. Krebse waren zum Beispiel im Barock beliebt, der Musikepoche von Johann Sebastian Bach, etwa im Krebskanon und in der Fuge.

Bei der Augmentation (Vergrößerung) werden die Notenwerte länger, bei der Diminution (Verkleinerung) werden sie kürzer. Ein Notenwert ist die Dauer einer Note: Eine Ganze dauert doppelt so lange wie eine Halbe, eine Halbe doppelt so lange wie eine Viertel, eine Achtel halb so lange wie eine Viertel. Die Töne selbst bleiben bei diesen beiden Verfahren gleich, es ändert sich ihre Dauer. In Fugen können zum Beispiel Umkehrungen, Augmentationen und Diminutionen des Themas auftreten.

In der Kontrapunktlehre heißt Bewegung das Richtungsverhältnis zweier Stimmen: Du vergleichst, wohin sich jede der beiden Stimmen von einem Ton zum nächsten bewegt. Unterschieden werden vier Fälle.

Gerade oder gleiche Bewegung: Beide Stimmen gehen in dieselbe Richtung, beide aufwärts oder beide abwärts, und das Intervall zwischen ihnen ändert sich. Parallelbewegung: Beide Stimmen gehen in dieselbe Richtung, und das Intervall bleibt dasselbe, zum Beispiel Terz und wieder Terz. Gegenbewegung (lateinisch motus contrarius): Eine Stimme bewegt sich aufwärts, die andere abwärts. Seitenbewegung (lateinisch motus obliquus): Eine Stimme bewegt sich, die andere bleibt auf ihrem Ton liegen oder wiederholt ihn.

So gehst du vor: Bestimme zuerst für jede Stimme die Richtung, also aufwärts, abwärts oder liegen bleiben. Vergleiche dann die beiden Richtungen. Gehen beide in dieselbe Richtung, bestimmst du das Intervall vorher und nachher. Zur Erinnerung: Du zählst beide Töne mit, von c bis g sind es fünf Stufen, also eine Quinte.

Gerade Bewegung und Parallelbewegung unterliegen im Kontrapunkt gewissen Einschränkungen. Bekannt ist das „Verbot“ von Quint- und Oktavparallelen: In den Regeln der Harmonielehre, der Lehre von den Akkorden und ihren Verbindungen, sind sie ausgeschlossen. Eine Quintparallele entsteht, wenn zwei Stimmen in Parallelbewegung von einer Quinte zur nächsten gehen, zum Beispiel unten von f zu g und oben vom hohen c zum hohen d. Grund für das „Verbot“ war ursprünglich, dass die Quinte, ähnlich wie die Oktave, besonders stark verschmilzt: Die beiden Töne klingen so eng zusammen, dass die Selbstständigkeit der Stimmen in Gefahr gerät. Wie Musiker Quintparallelen bewerten und verwenden, hat sich über lange Zeit stark gewandelt. Das „Verbot“ ist also eine Regel bestimmter Lehren und gilt nicht für jede Musik.

Mit einem festen Ablauf kommst du zu einer begründeten Einordnung. Du kannst ihn beim Hören und beim Lesen von Noten nutzen. Die Tabelle unten zeigt die Schritte in ihrer Reihenfolge.

Zwei Vergleichsfälle helfen dir. Der vierstimmige Choralsatz ist ein Musterbeispiel für den homophonen Akkordsatz: Die Stimmen wechseln gemeinsam den Ton, und du hörst eine Folge von Akkorden. Die Fuge ist ein polyphones Stück, dessen besonderes Kennzeichen die komplexe Verarbeitung eines Themas ist. Sie beginnt mit der Exposition, dem Abschnitt, in dem die Stimmen nacheinander mit dem Thema eintreten. Die erste Stimme trägt das meist kurze und prägnante, also gut einprägsame, Thema vor. Dieser Themeneinsatz heißt Dux (lateinisch „Führer“). Dann tritt eine zweite Stimme hinzu und trägt das Thema als Comes (lateinisch „Gefährte“) vor, meist auf die Oberquinte oder Unterquarte versetzt. Oberquinte heißt eine Quinte höher, Unterquarte eine Quarte tiefer; beide Wege führen zum selben Tonnamen. Beginnt der Dux auf d, setzt der Comes meist auf a ein.

Begründen heißt: Du nennst für deine Einordnung Merkmale und die Stelle, an der du sie findest, zum Beispiel Takt und Stimme. Wechselt ein Stück seine Satzweise, beschreibst du jeden Abschnitt für sich, statt das ganze Stück mit einem Wort abzustempeln.