Werkinterpretation: Musik begründet deuten

Bei einer Musikanalyse untersuchst du ein Musikstück unter verschiedenen Gesichtspunkten. Du kannst zum Beispiel auf die Form achten (Aus welchen Teilen besteht das Stück?), auf die Harmonik (Welche Zusammenklänge und Akkorde erklingen?), auf den Rhythmus (Wie lang und wie betont sind die Töne?) oder auf Motive und Themen (Welche kurzen Tonfolgen kehren wieder?). Weil du nicht alles auf einmal untersuchen kannst, brauchst du eine Untersuchungsfrage.

Eine präzise Frage nennt drei Dinge: welchen Teil des Stücks du untersuchst, auf welchen Gesichtspunkt du achtest und was du herausfinden willst. „Wie ist das Stück?“ ist zu ungenau. „Wie verändert sich der Rhythmus vom ersten zum zweiten Teil?“ kannst du dagegen beim Hören und in den Noten überprüfen.

Wichtig ist auch, welche Art von Frage du stellst. Vor allem bei Werken der klassischen Musik unterscheidet die Musikwissenschaft die Analyse von der Interpretation, also der Deutung. Eine Analysefrage richtet sich auf den Aufbau eines Werks und auf seinen historischen Zusammenhang, also auf Zeit und Umstände seiner Entstehung. Eine Interpretationsfrage richtet sich auf Ausdruck, Wirkung und „Aussage“ des Werks. Eine wissenschaftlich begründete Interpretation stützt sich auf eine Analyse. Deshalb verbindet eine gute Frage oft beides, zum Beispiel: „Welche Wirkung hat der plötzliche Wechsel von leise zu laut im Mittelteil?“

Bei der Analyse suchst du zuerst die Grobgliederung: Wo hat das Stück deutliche Einschnitte, etwa eine Pause oder eine Kadenz? Eine Kadenz ist eine Schlusswendung aus Akkorden, die einen Abschnitt hörbar abschließt. Erst danach gehst du zu kleineren Bausteinen wie Themen, Taktgruppen und Motiven. So verlierst du dich nicht in Kleinigkeiten, die nichts Wichtiges über das Werk sagen. Eine genaue Untersuchung der Form macht in vielen Fällen eine schlüssige Deutung erst möglich.

Die Bausteine der Musik kannst du mit Sprache vergleichen. Ein Motiv ist ungefähr wie ein Wort, eine Phrase wie ein Teilsatz, eine Periode wie ein ganzer Satz und ein Thema wie eine Strophe in einem Gedicht. Ein Thema ist also eine größere musikalische Einheit aus mehreren Motiven, Phrasen und Perioden. Es wird oft zu Beginn eines Stücks vorgestellt und ist so etwas wie seine wichtigste „Aussage“, auf die sich spätere Teile beziehen.

Spannend wird es, wenn du verfolgst, was mit einem Motiv geschieht. Es kann wiederholt, verändert (Variation) oder einem Gegensatz (Kontrast) gegenübergestellt werden; diese Möglichkeiten lassen sich auch kombinieren. Bei der Melodie kann man die Abstände zwischen den Tönen vergrößern oder verkleinern, die Richtung der Abstände umkehren oder das ganze Motiv rückwärts spielen. Beim Rhythmus kann man die Notenwerte des ganzen Motivs verlängern oder verkürzen. Ein Motiv kann auch mit anderen Akkorden darunter wiederkehren.

Analysebefunde sind einzelne Beobachtungen, etwa „Im Mittelteil wird es plötzlich laut“ oder „Das Motiv steigt in großen Schritten aufwärts“. Für eine Gesamtaussage verbindest du mehrere Befunde zu einer Deutung. Eine solche Deutung heißt Interpretation: ein auslegender, also erklärender Kommentar zu Ausdruck, Wirkung und „Aussage“ eines Werks. Weil eine Interpretation etwas auslegt, nennt man sie auch hermeneutisch; Hermeneutik heißt die Lehre vom Auslegen und Verstehen.

So gehst du vor: Sammle die Befunde zu deiner Frage. Suche, was sie gemeinsam haben. Formuliere eine These, also eine Behauptung über die Wirkung. Begründe sie mit den Befunden, sodass jede Behauptung mindestens einen Beleg aus dem Stück bekommt. Ein guter Satz verbindet beides, zum Beispiel: „Weil das Motiv in jedem Teil wiederkehrt, wirkt das Stück geschlossen.“

Hilfreich ist auch die Frage, ob ein Stück ein Programm hat. Programmmusik ist in der Regel Instrumentalmusik, die einem außermusikalischen Programm folgt: Sie soll Vorstellungen von Bildern oder Geschichten wecken. Das wird zum Beispiel durch beigegebene Überschriften und Titel deutlich. Davon unterscheidet man die absolute Musik, die keine außermusikalischen Inhalte darstellt. Bei Programmmusik kannst du deine Befunde mit dem Programm vergleichen. Fehlt ein Programm, stützt sich deine Deutung vor allem auf die Musik selbst.

Zu einem Musikstück gibt es oft mehr als eine Deutung. Eine andere Deutung prüfst du genauso wie deine eigene: Welche Befunde stützen sie? Welche Befunde passen nicht zu ihr? Und welche Befunde erklärt sie gar nicht? Eine Deutung ist stärker, wenn sie mehr Befunde erklärt und keinem Befund widerspricht. Manchmal stützen die Befunde zwei Deutungen gleich gut. Dann darfst du sagen, dass beide möglich sind.

Achte dabei auf Hinweise außerhalb der Noten. Hat ein Stück einen Titel oder einen beigegebenen Text, der ein Bild oder eine Geschichte nennt, kann es sich um Programmmusik handeln. Fehlt ein solcher Hinweis, ist eine Geschichte, die du hineinhörst, eine von mehreren möglichen Vorstellungen. Sie ist schwächer belegt als eine Aussage über das, was im Stück tatsächlich passiert.

Zum Schluss begrenzt du die Reichweite deiner Aussage. Die Reichweite sagt, wofür deine Aussage gilt: für eine Stelle, einen Teil oder das ganze Werk. Hast du nur einen Teil untersucht, sprichst du auch über diesen Teil. Statt „Das Stück ist traurig“ schreibst du zum Beispiel: „Im ersten Teil wirkt die Musik gedämpft, weil …“. Wörter wie „eher“ oder „vermutlich“ zeigen, wie sicher du bist. Eine begründete Deutung ist gut gestützt, aber kein Beweis.

Das Wort Interpretation hat in der Musik noch eine zweite Bedeutung: die Art, wie ein Musiker ein Stück aufführt. Die Noten legen vieles fest, aber nicht alles. Spielraum hat der Interpret, also der Musiker, der das Stück aufführt, vor allem bei diesen Punkten: feine Abweichungen vom Grundtempo (Agogik), die Lautstärke (Dynamik), kleine Abweichungen vom genau ausgezählten Rhythmus, die Klangfarbe, also ob ein Ton zum Beispiel hell oder dunkel klingt, und die Artikulation, also wie gebunden oder getrennt die Töne klingen. Bei der Dynamik stehen keine genauen Lautstärkewerte in den Noten; hier gibt es viel Freiraum.

Manche Hinweise stehen als italienische Vortragsbezeichnungen in den Noten. Accelerando bedeutet schneller werdend, ritardando und rallentando bedeuten beide langsamer werdend. Rubato bedeutet, dass das Tempo frei schwankt. A tempo heißt: zurück zum ursprünglichen Tempo.

Aus deiner Deutung leitest du Entscheidungen ab. Deutest du einen Teil als Steigerung, kannst du dort allmählich lauter werden. Jede Entscheidung braucht einen Grund aus deiner Deutung und muss zu den Noten passen.

Dabei spielt die Werktreue eine Rolle. Gemeint ist eine möglichst unverfälschte Wiedergabe des Notentextes. Sie berücksichtigt auch, wie Musik dieses Stils üblicherweise gespielt wird; das nennt man Aufführungspraxis. Eine Aufführung kann wirkungsvoll sein und trotzdem als nicht gelungen gelten, wenn sich der Musiker nach dem Urteil der Zuhörer zu weit von den Angaben in den Noten entfernt. Greift jemand stark in die Noten selbst ein, etwa indem er Töne der Melodie austauscht, gilt das nicht mehr als Interpretation, sondern als Bearbeitung.