Ballett: Musik und Bewegung verstehen

Das Wort Ballett kommt vom italienischen „balletto“. Das ist eine Verkleinerungsform von „ballo“, auf Deutsch: Tanz. Mit Ballett meint man meist den klassischen Bühnentanz: einen künstlerischen Tanz auf einer Theaterbühne, zu dem Musik spielt. Man unterscheidet ihn oft von neueren Tanzformen wie dem zeitgenössischen Tanz. Das Wort kann aber auch anderes bedeuten, zum Beispiel eine Tanzvorstellung, die Musik für einen Tanz oder die Gruppe der Tänzer an einem Theater.

Traditionell erzählt ein klassisches Ballett eine Geschichte. Man nennt es dann Handlungsballett. Grundlage ist ein Libretto, also ein Text, der die Handlung festlegt. Auf dieser Grundlage entstehen die Musik und die Choreografie. Dazu kommen das Bühnenbild, Requisiten (Gegenstände, die auf der Bühne gebraucht werden) und Kostüme. Der Tanz selbst besteht aus Bewegungen im Raum, aus Gestik und aus Mimik. Gestik sind Bewegungen von Händen und Armen, die etwas ausdrücken. Mimik ist der Gesichtsausdruck.

Eine Choreografie ist die Komposition von Bewegungen beim Tanz. Komposition heißt hier: Jemand stellt Bewegungen zu einer festen Abfolge zusammen, so wie ein Komponist, also jemand, der Musik erfindet, Töne zu einem Musikstück zusammenstellt. Wer eine Choreografie erfindet, heißt Choreograf. Im erweiterten Sinn meint das Wort auch jedes Planen und Vorführen von Bewegungsabläufen.

Das Aufschreiben von Tanzbewegungen heißt dagegen Tanznotation. Wenn ältere Ballette neu einstudiert werden, spielt sie kaum eine Rolle. Obwohl es heute oft Videos von früheren Aufführungen gibt, geben meist frühere Tänzer oder Assistenten (Helfer bei den Proben) die Choreografie weiter: Sie zeigen die Bewegungen vor, und die neuen Tänzer lernen sie.

Ein wichtiger Schritt in der Geschichte des Balletts war das Jahr 1661. Damals gründete der französische König Ludwig XIV. (gesprochen: Ludwig der Vierzehnte) in Paris die „Académie Royale de danse“, eine königliche Akademie für Tanz. Eine Akademie ist eine Einrichtung, in der ein Fachgebiet gepflegt und gelehrt wird. In dieser Zeit entwickelte sich das Ballett stark weiter, und es tanzten zunehmend Berufstänzer. Ab 1681 durften dort auch Frauen öffentlich tanzen.

Im Ballett gehören Musik und Bewegung eng zusammen. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts arbeiteten in Sankt Petersburg, einer Stadt in Russland, Komponist und Choreograf oft eng zusammen. In dieser Zeit schrieb der russische Komponist Pjotr Iljitsch Tschaikowski Ballettmusik für Theater in Sankt Petersburg und Moskau, zum Beispiel „Schwanensee“ (1877) und „Der Nussknacker“ (1892).

Musik und Tanz müssen aber nicht gemeinsam entstehen. Im 20. Jahrhundert verwendeten Choreografen zunehmend Musik, die gar nicht für Tanz geschrieben worden war. Manche Tanzstücke kommen sogar ohne Musik aus und nutzen zum Beispiel Geräusche oder eine sprechende Stimme. Deshalb lohnt es sich, bei jedem Stück genau zu prüfen, wie Musik und Bewegung zusammenhängen.

Beim Beobachten hilft eine Ordnung. Die Rhythmik ist eine Lernform, in der man mit Musik, Bewegung und Sprache arbeitet. Dort bilden die vier Bereiche Raum, Zeit, Kraft und Form die Grundlage der Arbeit. Du kannst sie als Fragen an eine Bewegung nutzen, wie die Tabelle zeigt.

Bei der Musik achtest du zum Beispiel auf das Tempo, also wie schnell die Musik ist, auf die Lautstärke und auf den Takt. Der Takt ist das regelmäßige Zählmuster der Musik, zum Beispiel „1-2-3, 1-2-3“. Dann vergleichst du: Ändert sich die Bewegung, wenn sich die Musik ändert?

Eine gute Beschreibung nennt einen Beleg. Ein Beleg ist eine genaue Angabe, die deine Aussage stützt: Du sagst, was du an einer bestimmten Stelle hörst und was du im gleichen Moment siehst. „Das passt gut“ ist noch kein Beleg. „Als die Musik langsamer wird, gehen die Tänzer langsam in die Knie“ ist einer.

Eine Bewegungsfolge ist eine kurze Reihe von Bewegungen, die du in einer festen Reihenfolge ausführst, zum Beispiel: Arme heben, eine Drehung, in die Knie gehen. Du kannst sie auf zwei Arten mit Musik verbinden.

Synchron heißt: gleichzeitig und passend. Deine Bewegung folgt der Musik. Ist die Musik schnell, bewegst du dich schnell. Kommt ein betonter Schlag, setzt du genau dann einen Schritt. Synchron kann auch heißen, dass mehrere Personen dieselbe Bewegung zur gleichen Zeit machen.

Kontrastierend heißt: bewusst gegensätzlich. Deine Bewegung bildet einen Gegensatz zur Musik, zum Beispiel ganz langsame Bewegungen zu schneller Musik. Ein Gegensatz ist kein Fehler, wenn du ihn absichtlich planst. Er kann die Zuschauer überraschen und eine Stelle besonders auffällig machen.

Wichtig ist die Begründung. Du sagst, welche Art du gewählt hast, an welcher Stelle der Musik und warum. Die Begründung nennt einen Beleg aus der Musik, etwa: „Bei der leisen Stelle bewege ich mich langsam, weil ich die Ruhe der Musik zeigen will.“

So kannst du üben: Arbeite mit einem Partner. Er klatscht einen gleichmäßigen Schlag und wird dabei mal lauter, mal leiser. Du führst eine kleine, bequeme Bewegungsfolge aus, zuerst synchron, dann kontrastierend. Danach tauscht ihr die Rollen, und der Beobachter notiert einen Zusammenhang zwischen Klatschen und Bewegung, den er gesehen hat. Du brauchst dafür keine Balletttechnik: Kleine, angenehme Bewegungen reichen.