Musikalisches Aufführungsprojekt planen und auswerten

Ein Aufführungsprojekt ist mehr als ein einzelner Auftritt: Ihr plant als Gruppe ein Konzert oder eine musikalische Vorführung, probt dafür und wertet es danach aus. Am Anfang steht die künstlerische Leitidee. Sie ist der Grundgedanke, der alle späteren Entscheidungen zusammenhält. Oft nennt man sie den „roten Faden“.

Eine gute Leitidee beantwortet drei Fragen. Was wollen wir zeigen oder ausdrücken? Das ist die Absicht. Für wen spielen wir, und zu welchem Anlass? Das betrifft das Publikum. Was sollen die Zuhörer erleben oder mitnehmen? Das ist die Wirkung. Eine Leitidee kann ein Thema sein, ein Gegensatz, eine Geschichte oder eine musikalische Frage, etwa wie ein Lied in verschiedenen Fassungen klingt.

Die Leitidee ist keine Organisation. Uhrzeit, Kartenverkauf oder Bühnenaufbau müsst ihr auch planen, aber sie erklären nicht, warum gerade diese Musik gespielt wird. Eine Leitidee ist auch keine bloße Liste von Stücken, die man mag oder schon kann. Die Prüffrage lautet: Kann ich mit diesem Satz begründen, welche Stücke passen und welche nicht?

Formuliere die Leitidee in einem oder zwei Sätzen. Eine hilfreiche Form ist: „Wir wollen [Publikum] mit [Musik] [Wirkung] erleben lassen, weil [Absicht].“ Danach prüft ihr jede weitere Planungsentscheidung daran, ob sie zur Idee passt.

Aus der Leitidee folgen drei Entscheidungen. Das Repertoire ist die Auswahl der Stücke, die ihr spielt. Die Besetzung sagt, wer mit welchen Instrumenten und Stimmen mitwirkt. Die Dramaturgie ist die geplante Reihenfolge und Verbindung der Teile, also der Bogen des ganzen Abends.

Der Begriff Besetzung hat zwei Seiten. Er meint die Musiker und Sänger, die in einer Gruppe tatsächlich vorhanden sind. Er meint aber auch die Instrumente und Stimmen, die eine Partitur oder ein Arrangement verlangt. Eine Partitur ist der Notentext, in dem alle Stimmen eines Stücks untereinander stehen. Ein Arrangement ist eine Bearbeitung eines Stücks für bestimmte Instrumente. Auch ein einzelner Solist ist schon eine Besetzung, und auch die Zahl der Spieler pro Stimme heißt Besetzung. Für eure Planung bedeutet das: Vergleicht, was ein Stück verlangt, mit dem, was eure Gruppe hat.

Bei Werken der klassischen Musik ist wegen der Werktreue eine genaue Orientierung an der vom Komponisten vorgegebenen Besetzung erforderlich. Werktreue heißt, ein Werk so aufzuführen, wie der Komponist es festgelegt hat. In Pop und Jazz steht weniger das Werk selbst im Vordergrund als die Art, wie Musiker es ausführen; dort kann man die Besetzung gezielt verändern. Fehlt euch bei einem klassischen Stück ein Instrument, spielt ihr eine Bearbeitung und solltet das im Programm auch so nennen.

Ein Stück passt ins Repertoire, wenn es drei Prüfungen besteht: Es passt zur Leitidee, es ist für eure Beteiligten in der verfügbaren Probenzeit machbar, und es erreicht euer Publikum. Ein Stück, das zur Idee passt, aber bis zum Termin nicht sicher zu lernen ist, gefährdet das ganze Projekt.

Bei der Dramaturgie geht es um die Reihenfolge. Häufige Mittel sind Kontraste, etwa ruhig und lebhaft, leise und laut, klein und groß besetzt, und ein Spannungsbogen, also ein Verlauf, der auf einen Höhepunkt zuläuft. Auch Praktisches zählt: Umbauten zwischen den Stücken kosten Zeit, und anstrengende Stücke legt man nicht so, dass die Spieler zu früh erschöpft sind. Solche Gewohnheiten sind keine festen Gesetze. Wer sie bewusst bricht, sollte sagen können, warum.

Proben brauchen Ziele. Ein musikalisches Probenziel beschreibt, was nach der Probe besser klingen soll, und zwar so genau, dass man es überprüfen kann. „Wir proben Stück 3“ ist kein Ziel. „Im Refrain von Stück 3 setzen Sopran und Alt gemeinsam leise ein“ ist eines.

Je nach Ziel wählt ihr die Probenart. In einer Registerprobe übt eine Gruppe gleicher Instrumente oder Stimmen getrennt vom Rest, zum Beispiel nur die Bläser oder nur der Tenor. In der kleinen Gruppe hört man Fehler leichter und kann an Einzelheiten arbeiten. In der Tuttiprobe spielen alle zusammen („tutti“ ist italienisch für „alle“); dort setzt man die Teile zusammen und arbeitet am Zusammenklang. Die Generalprobe ist die letzte Probe vor der Aufführung. Sie läuft möglichst so ab wie der Auftritt selbst: in Konzertreihenfolge, mit Übergängen und Technik. Fehler notiert man dabei für die Nachbesprechung, statt die Stelle sofort zu üben. Eine Generalprobe findet häufig schon vor Publikum statt, um dessen Reaktionen abschätzen zu können.

Ein Probenplan legt fest, wann ihr welches Ziel in welcher Probenart angeht. Eine sinnvolle Abfolge ist: Stücke kennenlernen, Schwachstellen in Teilgruppen üben, im Tutti zusammensetzen, das ganze Programm durchspielen, zuletzt die Generalprobe. Plant Puffer ein, also freie Probenzeit für Unvorhergesehenes.

Selten läuft eine Probenphase genau nach Plan. Prüft deshalb nach jeder Probe kurz: Ist das Ziel erreicht? Wenn nicht, sucht ihr die Ursache und wählt eine passende Maßnahme. Ist eine Stelle technisch zu schwer, übt ihr sie langsamer und in der Teilgruppe oder vereinfacht sie in einer Bearbeitung. Fehlt ein Mitspieler, verteilt ihr seine Stimme neu oder tauscht das Stück. Reicht die Zeit nicht, streicht ihr eher ein Stück, als alle nur halb zu können. Jede Änderung prüft ihr wieder an der Leitidee.

Nach der Aufführung wertet ihr aus, was gelungen ist und was nicht. Nachvollziehbar wird eine Auswertung, wenn ihr Kriterien nennt, Beobachtungen an bestimmten Stellen als Belege anführt und daraus ein begründetes Urteil ableitet. „Es war toll“ oder „Es war schwach“ sind Eindrücke, keine Auswertung. Am besten legt ihr die Kriterien schon vor der Aufführung fest, leitet sie aus Leitidee und Probenzielen ab und nehmt die Aufführung auf, damit ihr Stellen noch einmal anhören könnt.

Typische Kriterien sind: Genauigkeit (stimmen Töne, Rhythmus und Tempo?), Klang und Balance (Balance heißt, dass keine Stimme eine andere ungewollt zudeckt), Gestaltung (passen Lautstärke, Artikulation und Phrasierung zum Stück?), Zusammenspiel (hören die Musiker aufeinander?) und Wirkung (hat das Programm die Leitidee spürbar gemacht?). Artikulation meint, wie Töne verbunden oder getrennt werden. Phrasierung meint, wie man eine Melodie in Abschnitte gliedert, ähnlich wie Sätze beim Sprechen. Welche Kriterien besonders wichtig sind, hängt von Stil, Stück und Besetzung ab.

Bei der Gestaltung geht es um die Interpretation. Darunter versteht man in der Musik vor allem die Ausführung einer in Notenschrift festgehaltenen Komposition durch Sänger oder Instrumentalisten. Auch bei genauen Noten bleibt Spielraum, etwa beim Tempo oder bei Abstufungen der Lautstärke. Wird ein Teil im Moment des Spielens erfunden, spricht man von Improvisation; diesen Teil beurteilt ihr nicht daran, ob er einer Notenvorlage folgt.

Zur Auswertung gehört die Frage nach der Ursache. Lief etwas in der Probe gut und im Konzert schlecht, kann Lampenfieber eine Rolle spielen, also starke Aufregung vor und während eines Auftritts. Es trifft Musiker je nach Instrument unterschiedlich. Ein trockener Mund, erschwertes Schlucken und ein kürzerer Atem machen Sängern und Bläsern besondere Probleme. Pianisten verlieren mit feuchten Händen den sicheren Zugriff auf die Tasten. Streichern kann die Bogenhand zittern. Solisten, die ohne Noten spielen, erleiden bei Aufregung Blackouts, also Gedächtnisaussetzer, und verlieren mitunter den Faden in einem kompliziert aufgebauten Stück. Eine Auswertung nennt solche Ursachen als begründete Vermutung und leitet daraus eine Konsequenz für das nächste Projekt ab.