Oper einfach erklärt: Aufbau, Musik und Wirkung

Eine Oper ist ein Theaterstück mit Musik. Ein Text, der eine Geschichte für die Bühne erzählt, wird vertont, also in Musik gesetzt. Sänger übernehmen die Rollen der Figuren. Ein Orchester begleitet sie. Ein Orchester ist eine größere Gruppe von Musikern mit vielen Instrumenten, zum Beispiel Geigen, Flöten und Trompeten. Manchmal kommen ein Chor und eine Gruppe von Tänzern dazu, ein Ballett.

Die Sänger singen nicht nur. Sie spielen auch Theater und tanzen manchmal. Die Bühne wird mit Malerei, Bauten, Gegenständen für das Spiel (Requisiten), Licht und Bühnentechnik gestaltet. Kostüme und Maske, also Schminke und zum Beispiel Perücken, zeigen, wer welche Rolle spielt. In einer Oper wirken also viele Künste zusammen.

Mehrere Leute leiten eine Aufführung. Der Dirigent leitet das Musikalische. Der Regisseur bestimmt, wie sich die Darsteller auf der Bühne bewegen und spielen. Bühnenbildner und Kostümbildner gestalten, wie Bühne und Kleidung aussehen.

Die Oper, wie wir sie heute kennen, entstand Ende des 16. Jahrhunderts, also kurz vor dem Jahr 1600, in Florenz, einer Stadt im heutigen Italien. Dort traf sich ein Gesprächskreis, die Florentiner Camerata. Dichter, Musiker, Philosophen (Denker, die über große Fragen des Lebens nachdenken) und Adelige (Menschen aus vornehmen, mächtigen Familien) wollten das Theater der alten Griechen wiederbeleben. Sie glaubten, dass dort Sänger, ein Chor und Instrumente mitgewirkt hatten. Als erste Oper gilt „La Dafne“ von Jacopo Peri, die 1598 zum ersten Mal aufgeführt wurde. Von ihr sind nur einzelne Bruchstücke erhalten. Peris „Euridice“ von 1600 gilt als älteste erhaltene Oper.

Oper, Operette, Musical und Tanz werden zusammen auch Musiktheater genannt. Die Operette ist eine Form des Musiktheaters, die vor allem unterhalten will. Sie hat gesprochene Dialoge, also Gespräche ohne Gesang. Durch beides unterscheidet sie sich von den Opern, die ab der Mitte des 19. Jahrhunderts immer öfter durchkomponiert waren. Was „durchkomponiert“ bedeutet, lernst du weiter unten.

Zu einer Oper gehört ein Text. Er heißt Libretto. Das Wort ist italienisch und bedeutet „Büchlein“. Die Mehrzahl heißt Libretti. Wer ein Libretto schreibt, heißt Librettist oder Textdichter. Libretti gibt es auch für Operetten und Musicals.

In einer Arie singt meist eine Figur allein über ihre Gefühle, zum Beispiel über Liebe, Freude, Wut, Angst oder Zweifel. Die Melodie ist liedhaft und gefühlvoll. Normalerweise passiert in einer Arie keine Handlung: Die Arie zeigt die Stimmung eines Moments.

Das Rezitativ soll dagegen die Handlung voranbringen. Typisch ist ein Sprechgesang: Die Figur singt fast so, wie man spricht. Text wird darin normalerweise nicht wiederholt, und die Begleitung ist einfacher als bei einer Arie.

Ein Ensemble ist ein Gesangsstück für mehrere Solostimmen. Solisten sind Sänger, die jeweils eine eigene Rolle singen. Singen zwei Solisten zusammen, heißt das Stück Duett, bei drei Terzett, bei vier Quartett. Seit dem späteren 18. Jahrhundert bilden größere Ensembles oft das Finale, also den Schluss eines Aktes, und führen die Handlung weiter. Ein Akt ist ein großer Abschnitt einer Oper, ähnlich wie ein Kapitel in einem Buch. Ein Beispiel ist die Oper „Don Giovanni“ von 1787 des Komponisten Wolfgang Amadeus Mozart. Ein Komponist ist jemand, der Musik erfindet und aufschreibt.

Ein Chor ist eine Gruppe von Sängern, in der mehrere Sänger dieselbe Stimme singen. Anders als im Ensemble hat im Chor nicht jeder Sänger eine eigene Rolle. Nicht jede Oper hat einen Chor. Wenn es einen gibt, kann er zum Beispiel eine Menschenmenge darstellen, etwa die Gäste eines Festes. Schon im Theater der alten Griechen gab es einen Chor, der sang und tanzte. Er teilte das Stück in Abschnitte und kommentierte manchmal die Handlung.

Eine Nummernoper besteht aus einzelnen Musikstücken, den Nummern. Jede Nummer ist in sich abgeschlossen. Eine Nummer kann gesungen sein, etwa eine Arie, ein Duett, ein Terzett oder ein Chor. Sie kann auch nur vom Orchester gespielt werden, zum Beispiel ein Marsch. Verbunden sind die Nummern durch Rezitative oder durch gesprochene Dialoge, also Gespräche ohne Gesang.

Die Nummern tragen Zahlen. Das half bei den Proben. Man konnte so auch einzelne Nummern, vor allem Arien, austauschen oder transponieren, also höher oder tiefer setzen. Das war zum Beispiel nützlich, wenn ein neuer Sänger eine Rolle übernahm. Im 18. Jahrhundert, also in den 1700er-Jahren, war die Nummernoper der Normalfall.

Bei der Durchkomposition gibt es keine Einschnitte mehr zwischen einzelnen Musikstücken. Die Musik geht zusammenhängend weiter. Ab dem zweiten Drittel des 19. Jahrhunderts, also der 1800er-Jahre, wurde die Nummernoper mehrheitlich durch die durchkomponierte Oper ersetzt.

Besonders der deutsche Komponist Richard Wagner setzte sich ab der Mitte des 19. Jahrhunderts dafür ein, auf die Nummern zu verzichten. Seine Opern sollten ein durchkomponiertes Ganzes sein, aufgebaut auf Leitmotiven. Was ein Leitmotiv ist, lernst du im nächsten Abschnitt. Für Wagners Opern hat sich der Begriff Musikdrama durchgesetzt. Das Stichwort „unendliche Melodie“ steht dafür, dass sich Musik und Gefühle ohne Unterbrechung weiterentwickeln. Seine Oper „Tristan und Isolde“ von 1865 nannte Wagner „Handlung in Musik“. Wagner löste die Einteilung in Nummern schließlich ganz auf, und andere folgten ihm.

Wagner hatte aber Vorläufer, zum Beispiel in französischen Opern von Christoph Willibald Gluck und besonders von Antonio Salieri. Zur gleichen Zeit wie Wagner, aber auf eigene Weise, formte der italienische Komponist Giuseppe Verdi die Akte seiner Opern zu einem größeren musikalischen Ganzen. Ganz verschwunden ist die Nummernoper nicht: In der Operette lebt sie weiter.

In einer Opernszene erzählen drei Dinge gleichzeitig: der Text, die Musik und das, was du auf der Bühne siehst. Wenn du eine Szene untersuchst, schaust du dir zuerst alle drei einzeln an. Dann fragst du: Wie passen sie zusammen?

Szene: Achte auf Bühnenbild, Licht, Kostüme und darauf, wie sich die Darsteller bewegen. Text: Lies, was die Figur singt. Erzählt sie, was passiert? Dann ist es eher ein Rezitativ. Spricht sie über ihr Gefühl, während nichts geschieht? Dann ist es eher eine Arie.

Musik: Eine Arie macht die Stimmung eines Moments hörbar. Schon im 17. Jahrhundert, also in den 1600er-Jahren, gab es Arienarten für bestimmte Inhalte. Der Text einer Sturmarie enthält zum Beispiel oft Vergleiche mit einem stürmischen Meer oder einem sinkenden Schiff. Beliebt waren auch Arien, deren Gesang Vogelstimmen nachahmt. Achte außerdem auf das Tempo, also die Geschwindigkeit, und auf die Lautstärke. Schnelle, laute Musik kann aufgeregt wirken, langsame, leise Musik eher ruhig oder traurig. Wie etwas wirkt, hängt aber immer auch von der Szene ab.

Ein Leitmotiv ist ein Motiv, also eine kurze, gut erkennbare Tonfolge, die zu einer Figur, einem Gegenstand oder einem Gefühl gehört. Richard Wagner ordnete so zum Beispiel einem Gefühl wie Liebe, Wut oder Sehnsucht ein bestimmtes Motiv zu. Erklingt das Motiv wieder, kann das Orchester an diese Figur oder dieses Gefühl erinnern, auch wenn im Text gerade nicht davon die Rede ist. Erfunden hat Wagner das nicht: Vorformen gab es seit dem späten 18. Jahrhundert bei französischen Komponisten und später zum Beispiel bei Carl Maria von Weber. Wagner forderte in seinen Schriften, das Orchester solle nicht mehr nur Zusammenklänge liefern, sondern ein aktives „Organ“ sein, also ein Werkzeug, das die Idee der Dichtung verwirklicht. Das war Wagners eigene Ansicht.

Eine Oper kann mit einer Ouvertüre beginnen. Das ist ein Einleitungsstück für das Orchester, das meist gespielt wird, während der Vorhang noch geschlossen ist. Sie stellt den Grundcharakter des Werks vor und oft auch wichtige Teile der Handlung oder Eigenschaften der Figuren.

Zum Schluss vergleichst du: Verstärken Musik, Text und Szene dieselbe Stimmung? Oder zeigt die Musik etwas, das der Text nicht sagt?