Programmmusik erkennen, untersuchen und deuten

Programmmusik ist in der Regel Instrumentalmusik. Das heißt: Die Musik wird von Instrumenten gespielt, ohne Gesang. Sie folgt einem außermusikalischen Programm. „Außermusikalisch“ bedeutet: Es geht um etwas, das selbst keine Musik ist, zum Beispiel ein Bild oder eine Geschichte. Die Musik soll beim Hören eine Vorstellung davon wecken. Oft machen Überschriften und Titel das Programm deutlich. Das Wort „Programm“ kommt vom griechischen „prógramma“, einer öffentlichen schriftlichen Bekanntmachung.

Davon unterscheidet sich die absolute Musik. Sie stellt keine außermusikalischen Inhalte dar. „Absolut“ kommt aus dem Lateinischen und heißt „losgelöst“ oder „unabhängig“. Seit etwa 1850 bezeichneten Fachleute in Mitteleuropa, die über Musik nachdachten, damit ein Ideal, also eine Wunschvorstellung: Instrumentalmusik, die allein ihren eigenen musikalischen Gesetzen folgt. Sie soll nicht an einen Text, ein Bühnenbild oder ein Programm gebunden sein.

Nicht jeder Titel macht ein Stück zur Programmmusik. Manchmal erklärt ein Titel nur eine Besonderheit der Musik selbst, etwa einen auffälligen Ton. Andere Namen hat nicht der Komponist vergeben, sondern das Publikum, also die Zuhörer. Solche Beinamen sind kein Programm, das der Komponist geplant hat. Musik mit Gesang, Filmmusik und Popmusik zählt man üblicherweise ebenfalls nicht zur Programmmusik.

Im 19. Jahrhundert entstand ein Streit zwischen Anhängern der Programmmusik und Vertretern der absoluten Musik. Für Musik mit Programm setzten sich Musiker um Franz Liszt und Richard Wagner ein. Liszt prägte den Begriff sinfonische Dichtung: ein Werk für Orchester aus einem einzigen Satz. Ein Orchester ist eine große Gruppe von Musikern mit vielen Instrumenten, ein Satz ist ein in sich geschlossener Teil eines Musikwerks. Meist wählten Komponisten von Programmmusik diese Form. Die Anhänger von Robert Schumann und Johannes Brahms hielten dagegen an der herkömmlichen Sinfonie fest, einem großen Orchesterwerk aus mehreren Sätzen, und schrieben Werke ohne Programm. Viele Komponisten, etwa Antonín Dvořák, schrieben aber sowohl Sinfonien als auch sinfonische Dichtungen.

Komponisten verbinden Programmmusik mit Bildern und Geschichten durch musikalische Mittel. Musikalische Mittel sind alles, womit Musik gemacht wird: Instrumente, Tonhöhe, Lautstärke, Tempo (also wie schnell die Musik ist), Rhythmus und Klänge.

Ein wichtiges Mittel ist die Tonmalerei. So nennt man es, wenn Musik Dinge aus der Natur oder aus dem Leben der Menschen mit Tönen nachbildet. Leicht zu erkennen ist der Kuckucksruf: zwei Töne, die eine kleine Terz abwärts gehen, zum Beispiel von g hinunter zu e. Eine Terz ist ein bestimmter Abstand zwischen zwei Tönen. Donnergrollen kann ein Paukenwirbel nachahmen, also viele schnelle Schläge auf der Pauke, einer großen, tief klingenden Trommel. Auch ein Basstremolo passt dazu: Tiefe Instrumente wiederholen einen Ton sehr schnell. Sogar „Wärme“ oder „Helligkeit“ kann Musik so ausdrücken: Wärme etwa durch Vibrato, ein leichtes Schwanken des Tons, Helligkeit etwa durch einen Dur-Akkord, also drei bestimmte Töne zusammen, zum Beispiel c, e und g.

Tonmalerei kommt nicht nur in Programmmusik vor. Sie kann auch in absoluter Musik ein Stilmittel sein. Ein Stück mit Vogelrufen ist deshalb nicht automatisch Programmmusik. Entscheidend ist, ob die Musik einem Programm folgt.

Ein zweites Mittel ist das Leitmotiv. Das ist ein meist kurzes, gut erkennbares Stück Musik, das wiederkehrt, oft mehrmals. Es steht für etwas außerhalb der Musik, zum Beispiel eine Person, einen Gegenstand, eine Idee oder ein Gefühl. Hörst du es wieder, denkst du an diese Person oder Sache. Leitmotive gibt es besonders in der Musik des 19. Jahrhunderts, etwa in Musikdramen (einer Form der Oper, also eines Theaterstücks mit Musik) und in sinfonischen Dichtungen. In „Peter und der Wolf“ ist jede Figur der Geschichte einem bestimmten Instrument zugeordnet und hat ein eigenes Leitmotiv. Die Violinen, also die Geigen, begleiten zum Beispiel Peter.

Wenn du ein Werk der Programmmusik untersuchst, gehst du in Schritten vor. Zuerst sammelst du konkrete Angaben: Wie heißt das Werk? Wer hat es komponiert? Welches Programm gibt es, zum Beispiel einen Titel, Überschriften oder einen Text zum Stück?

Ein ausführliches Programm gehört zu „Die Moldau“ von Bedřich Smetana. Smetana war ein tschechischer Komponist; „Die Moldau“ ist ein Teil seiner Werkreihe „Mein Vaterland“. Der Programmtext beschreibt Stationen eines Flusses: Zwei Quellen, eine kalte und eine warme, vereinen sich. Der Fluss fließt durch Wälder und Felder, an fröhlichen Festen vorbei. Nachts tanzen im Mondschein Nymphen, das sind Naturgeister aus Sagen. Auf Felsen stehen Burgen, Schlösser und Ruinen. An den St.-Johann-Stromschnellen, wo das Wasser schnell über Steine schießt, wirbelt die Moldau. Dann strömt sie breit nach Prag und verschwindet schließlich in der Elbe. Smetana setzt dabei unter anderem mit Tonmalerei um, wie aus der Quelle ein Fluss wird.

Danach hörst du genau hin und notierst Beobachtungen: Welche Instrumente spielen? Ist die Musik laut oder leise, schnell oder langsam, hoch oder tief? Kehrt ein Motiv, also eine kurze Tonfolge, wieder? Achte auch darauf, wie sich die Musik verändert, nicht nur auf den Anfang. Musiker nutzen dafür italienische Fachwörter: „piano“ heißt leise, „forte“ heißt laut, „crescendo“ heißt lauter werden.

Zum Schluss verbindest du Beobachtung und Programm zu einer Deutung. Eine Deutung sagt, was eine Stelle darstellen könnte. Begründet ist sie, wenn du eine Beobachtung aus der Musik als Grund nennst, am besten mit „weil“. Eine gute Deutung passt zu allen Beobachtungen, nicht nur zum Anfang. Ob dir ein Stück gefällt, ist deine Meinung, aber noch keine Deutung. Nennt das Programm eine Stelle nicht genau, bleibt deine Deutung eine Vermutung. Dann schreibst du zum Beispiel „vielleicht“ oder „könnte“.