Barockmusik erkennen: Merkmale und Generalbass

Die Barockmusik ist eine Epoche der europäischen Kunstmusik, also der kunstvoll komponierten Musik. Eine Epoche ist ein Zeitabschnitt, dessen Werke gemeinsame Merkmale haben. Das Barock folgt auf die Renaissance, die Epoche davor. Es reicht vom Beginn des 17. Jahrhunderts, also kurz nach 1600, bis etwa zur Mitte des 18. Jahrhunderts, also um 1750. Als Anfang gilt die Zeit um 1600: Damals entstanden in Italien die Oper, ein Bühnenstück mit Gesang, und die Monodie, ein Sologesang mit Begleitung. Ein wichtiger Komponist dieser Zeit war Claudio Monteverdi. Als Ende wird meist 1750 genannt, das Todesjahr von Johann Sebastian Bach.

Ein wichtiger Hinweis ist der Generalbass. Unter der Melodie läuft eine Bassstimme, die oft mit Ziffern ergänzt ist. Die Ziffern zeigen, welche Akkorde, also Zusammenklänge aus mehreren Tönen, dazu erklingen sollen. Gespielt wird diese Stimme von der Continuo-Gruppe. Dazu gehören meist ein Akkordinstrument wie das Cembalo (ein Tasteninstrument, dessen Saiten angezupft werden), die Orgel oder die Theorbe (eine große Laute) und ein Bassinstrument wie die Gambe (ein Streichinstrument, das man zwischen den Beinen hält), das Violoncello oder das Fagott (ein tiefes Holzblasinstrument). Von 1600 bis 1750 war eine solche Bassstimme durchgehend üblich. Sie entstand aus einem Vorläufer der späten Renaissance: Damals konnte ein Instrument die tiefste Singstimme verstärken, ohne dass dafür eigene Noten aufgeschrieben wurden.

Zwei weitere typische Merkmale sind die Darstellung von Gefühlen, damals Affekte genannt, und das konzertierende Prinzip, bei dem verschiedene Klanggruppen miteinander oder gegeneinander spielen. Beides lernst du im nächsten Abschnitt kennen. Außerdem spielten Kontraste eine wichtige Rolle. Einen plötzlichen Wechsel der Lautstärke nennt man Terrassendynamik: Laut und leise stehen ohne Übergang nebeneinander, wie die Stufen einer Treppe. Das Gegenteil, das allmähliche Lauter- und Leiserwerden, heißt Übergangsdynamik. Ein plötzlicher Wechsel kann vom Komponisten aufgeschrieben sein oder erst beim Spielen entstehen. Solche Wechsel gibt es auch in anderer Musik; allein beweisen sie also nichts.

Neben dem Klang helfen geschichtliche Hinweise. Barockmusik diente in erster Linie dazu, das Ansehen des Adels und der Kirche zu zeigen. Die Musiker waren in zunftähnlichen Verbänden organisiert, ähnlich wie Handwerker, oder fest angestellt, etwa am Hof eines Fürsten oder an einer Kirche. Auch Namen helfen beim Einordnen: Zum Barock zählen zum Beispiel Claudio Monteverdi und Antonio Vivaldi in Italien, Jean-Baptiste Lully in Frankreich, Henry Purcell in England sowie Georg Philipp Telemann, Georg Friedrich Händel und Johann Sebastian Bach.

Kein Hinweis reicht allein. Der Musikwissenschaftler Günter Haußwald, also ein Forscher, der Musik untersucht, wies 1973 darauf hin, dass Anton Bruckner noch 1848/49 in seinem Requiem, einer Messe für Verstorbene, einen bezifferten Bass verwendete. Das war rund 100 Jahre nach dem üblichen Ende des Barock. Wer Barockmusik erkennen will, sammelt deshalb mehrere Hinweise: Klang, Besetzung, Entstehungszeit, Komponist und Zweck eines Stücks.

Beim Generalbass sind zwei Linien besonders wichtig: die Oberstimme mit der Melodie und der Bass. Die Akkorde dazwischen werden oft nur mit Ziffern angegeben. Das Akkordinstrument führt diese Akkorde beim Spielen selbst aus. Weil nur die Ziffern feststehen, hat der Spieler Gelegenheit, die Begleitung frei zu gestalten, also zu improvisieren. Lehrbücher zum Generalbass dienten damals auch dazu, das Komponieren zu lernen.

So liest du die Ziffern: Sie geben Intervalle an. Ein Intervall ist der Abstand zwischen zwei Tönen. Du zählst vom Basston aus nach oben, und zwar mit den Tönen der Tonleiter, in der das Stück steht. Der Basston selbst ist Nummer 1. Der dritte Ton heißt Terz, der fünfte Quinte, der sechste Sexte. Steht keine Ziffer da, spielt man in der Regel den Dreiklang aus Basston, Terz und Quinte. In der Regel werden nur Abweichungen davon beziffert. Eine einzelne 6 bedeutet: Statt der Quinte erklingt die Sexte, die Terz bleibt. Alle Töne dürfen auch eine Oktave höher gespielt werden; die Oktave ist der achte Ton, der wieder denselben Namen trägt. In heutigen Ausgaben stehen die Ziffern meist unter dem Basston, in alten Originalnoten meist darüber.

Ein Affekt ist eine Gemütsverfassung, also ein Gefühl oder eine Stimmung wie Trauer oder Freude. In der Affektenlehre sind bestimmten Affekten ganz bestimmte musikalische Mittel zugeordnet; diese Zuordnung hat dort den Charakter eines Naturgesetzes, also einer festen Regel. Ein Barockkomponist versuchte nicht, seine eigenen Gefühle darzustellen. Er wollte mit gut überlegtem, kunstvollem Handwerk beim Hörer die gewünschten Affekte auslösen. Diese Wirkung hängt aber genauso von den Musikern ab, die das Stück aufführen. Komponisten hatten dafür eine Art Wörterbuch aus Motiven, also kurzen Tonfolgen. So konnte eine Chromatik, eine Tonfolge in Halbtonschritten wie E, Es, D, abwärts eine Klage darstellen. Trotz solcher Muster gab es viele verschiedene Arten, denselben Affekt zu zeigen.

Beim konzertierenden Prinzip treffen verschiedene Klanggruppen aufeinander. Mit dem italienischen Wort „concertare“ ist ihr Miteinander gemeint, mit dem gleich lautenden lateinischen Wort ein Wettstreit. Besonders im frühen Barock gab es die Mehrchörigkeit: Mehrere Chöre sangen gemeinsam von verschiedenen Stellen eines großen Raumes aus. Im späten 17. Jahrhundert, also gegen 1700, entstand das Concerto grosso: Eine kleine Solistengruppe, das Concertino, und das Orchester, Tutti oder Ripieno genannt, wechseln sich ab. Im Solokonzert tritt statt der Gruppe ein einzelner Solist auf. Vorsicht: Nicht jedes Werk, das „Concerto“ heißt, stellt Solisten und Orchester gegenüber.

Eine Gattung ist eine Art von Musikstück, etwa Oper oder Suite. Barockmusik hatte feste Aufgaben: Sie diente in erster Linie der Repräsentation des Adels und der Kirche, sollte also deren Macht, Glanz und Ansehen zeigen. Damals unterschied man drei Bereiche: Musik für die Kirche, Musik für das Theater und Musik für die Kammer. Mit Kammer waren die Wohnräume oder der Speisesaal eines Fürsten gemeint. Arcangelo Corelli unterschied zum Beispiel zwischen der Sonata da camera, einer Sonate für die Kammer, und der Sonata da chiesa, einer Sonate für die Kirche. Eine Sonate ist hier ein Stück für Instrumente. Die Bereiche waren aber durchlässig: Manche Instrumentalstücke konnten im weltlichen wie im kirchlichen Raum erklingen, und geistliche Konzerte konnten als Tafelmusik beim Essen dienen.

Am Hof eines Fürsten leitete ein Kapellmeister die Musik. Er kümmerte sich um die Musiker, um Noten, Proben und Aufführungen. Komponieren war meist kein eigener Beruf, sondern eine bezahlte Nebenaufgabe, etwa des Kapellmeisters, des Kantors (er leitete die Kirchenmusik) oder des Organisten. Wie eng Musik und Macht zusammenhingen, zeigt Frankreich: Für König Ludwig XIV. wurden jeden Tag um zehn Uhr drei Motetten aufgeführt, also geistliche Gesangsstücke. In den Texten stand statt „Deus“ (Gott) das Wort „Seigneur“ (Herr), mit dem man auch den Herrscher ansprach. So konnte das Lob dem König ebenso gelten wie Gott. An Höfen mit niedrigerem Rang als dem eines Fürsten mussten Musiker sogar Perücken pudern und Schuhe putzen.

In den Städten hatten die Stadtmusiker drei Aufgaben: die Stadt bei Anlässen würdig vertreten, in der Kirchenmusik mitspielen und bei privaten Festen musizieren. Ein Beispiel ist die Turmmusik, die vom Turm aus erklang. In der evangelischen Kirche wurden jeden Sonntag neue Kirchenkantaten für den Gottesdienst geschrieben, also Stücke mit mehreren Sätzen für Gesang und Instrumente.

Die Oper gehörte zur Kultur der prächtigen Hoffeste. Das Oratorium erzählt ebenfalls mit mehreren Sängern und oft mit Chor eine Geschichte, aber ohne Bühnenspiel, also ohne Kostüme und Kulissen. Sein Name kommt von Betsälen in Kirchen und Klöstern, die Oratorium hießen. Der Text wurde neu gedichtet, die Stoffe stammen aus der Bibel, aus Lebensgeschichten von Heiligen oder aus der Kirchengeschichte. Das Oratorium war kein Teil des Gottesdienstes und sollte das Publikum „moralisch stärken“. Im 17. Jahrhundert gehörte es zur katholischen Kirche, und das italienische Oratorium bestand aus zwei Teilen, zwischen denen eine Predigt stattfand. Die Grenze zwischen Oratorium und Oper war aber fließend.

Die Suite ist eine Folge von Tänzen, geschrieben für eine Gruppe von Instrumenten oder für ein einzelnes Instrument. Besonders oft stehen die Tänze in der Reihenfolge Allemande, Courante, Sarabande, Gigue. Sie kommen aus verschiedenen Ländern: Die Allemande gilt als deutsch, die Courante stammt vermutlich von einem englischen Tanz ab, und die Sarabande ist eine verlangsamte Form eines spanischen oder mexikanischen Tanzes.

Das Wort „Barock“ wird auf das Portugiesische zurückgeführt, teils auch auf das Spanische: „barroco“ hieß eine unregelmäßig geformte Perle. Solche Perlen heißen bis heute Barockperlen. Ab 1734 benutzte man das Wort „barock“ auch für Musik, und zwar abwertend: Gemeint war das Gegenteil von schlicht und melodiös, also von Musik mit eingängiger Melodie. Besonders einflussreich war, dass der Philosoph Jean-Jacques Rousseau das Wort im Sinne von „verworren“ deutete.

Erst im 19. Jahrhundert, also in den 1800er-Jahren, bekam der Begriff eine neutralere Bedeutung als Name einer Epoche. In der Musikwissenschaft, der Wissenschaft von der Musik, besprach Egon Wellesz den Begriff 1909 erstmals in einem Aufsatz. Hugo Riemann sprach 1912 stattdessen vom „Generalbasszeitalter“. Zehn Jahre nach Wellesz, also 1919, versuchte Curt Sachs, Ideen über die bildende Kunst des Barock, etwa Malerei, auf die Musik zu übertragen. 1928 schrieb Robert Haas mit „Die Musik des Barocks“ die erste umfassende Darstellung der Epoche. Die Musiker um 1700 nannten ihre Musik also noch nicht Barockmusik; der Name wurde erst später vergeben.

Nützlich ist der Begriff, weil er Musik mit gemeinsamen Merkmalen zusammenfasst, etwa Generalbass, Affektdarstellung und konzertierendes Prinzip. Dass er weiter gebraucht wird, zeigen Buchreihen wie das „Handbuch der Musik des Barock“, das ab 2017 erschienen ist.

Begrenzt ist er, weil die Epoche lang und uneinheitlich war und Fachleute ihre Grenzen verschieden ziehen. Manfred Bukofzer schlug ein Frühbarock ab 1580 vor. Die Musikwissenschaftlerin Suzanne Clercx ließ die Epoche schon in der Mitte des 16. Jahrhunderts beginnen. Günter Haußwald setzte 1973 ein Spätbarock von 1750 bis 1800 an. Meistens gilt aber weiterhin Bachs Todesjahr 1750 als Ende. Die Musikwissenschaftlerin Silke Leopold beklagte 1994, dass der Begriff auch nach dem „Nachweis der Unbrauchbarkeit“ weiterverwendet werde, obwohl die Musik dieser Zeit sehr unterschiedlich war. Das zeigt: Die Grenzen der Epoche sind nicht messerscharf, die Entwicklung hin zur folgenden Epoche, der Klassik, verlief fließend. „Barock“ ist deshalb eine Ordnungshilfe, wie ein Etikett im Regal: Es stellt vieles sinnvoll zusammen, trifft aber nicht jedes Stück genau.