Expressionismus in der Musik: Merkmale erkennen

Das Wort Expressionismus kommt vom lateinischen „expressio“, das heißt „Ausdruck“. Der musikalische Expressionismus entstand um 1906. Er will die Seelenregungen des Menschen ausdrücken, also Gefühle und Vorgänge in seinem Inneren. Damit unterscheidet er sich vom musikalischen Impressionismus. Diese Kunstrichtung bildet ab, wie Dinge von außen wirken und wie wir sie wahrnehmen.

Der Philosoph Theodor W. Adorno beschrieb das Ziel so: Der Ausdruck soll „unmittelbar“ sein, also direkt und ohne Umweg. Dazu gehören für ihn zwei Dinge. Erstens versucht die expressionistische Musik, alles „formelhaft Erstarrte“ der älteren Musik loszuwerden, also feste Wendungen, die immer wieder gleich benutzt wurden. Zweitens soll sie die „unverstellte, unverklärte Wahrheit“ eines Gefühls zeigen: nicht verkleidet und nicht verschönert. Adorno greift dafür einen Ausdruck des Musikforschers Alfred Einstein auf: Die Musik wolle „Psychogramme“ geben, also so etwas wie genaue Aufzeichnungen des Seelenlebens.

Wann war das? Werke vom Beginn des 20. Jahrhunderts von Arnold Schönberg, dem Russen Alexander Skrjabin und dem Amerikaner Charles Ives nennt man Frühexpressionismus. Ab 1907 zeigen die frei atonalen Werke von Schönberg, Anton Webern und Alban Berg die typischen Eigenschaften am klarsten. Frei atonal heißt: ohne festen Grundton; mehr dazu weiter unten. Diese drei Komponisten nennt man die Wiener Schule oder Zweite Wiener Schule. Zu Beginn der 1920er-Jahre ging dieser zentrale Bereich des Expressionismus zu Ende. Entwickelt hat sich der musikalische Expressionismus vor allem im deutschsprachigen Raum.

Besonders auffällig ist der Umgang mit Dissonanzen. Eine Dissonanz ist ein Zusammenklang, der reibt und gespannt klingt, zum Beispiel wenn du auf dem Klavier zwei direkt benachbarte Tasten gleichzeitig drückst. Eine Konsonanz klingt dagegen ruhig und verschmilzt gut. In älterer Musik ging eine Dissonanz meist in eine Konsonanz über; man sagt, sie wird „aufgelöst“. Im Expressionismus stehen Dissonanzen gleichberechtigt neben Konsonanzen und werden nicht mehr aufgelöst. Das nennt man „Emanzipation der Dissonanz“; Emanzipation heißt Befreiung. Die Gruppe um Schönberg setzte diese Befreiung am radikalsten um, und sie wurde zum wichtigsten Ausdrucksmittel des Expressionismus. Außerdem wurde das gewohnte System mit Dur und Moll weitgehend aufgelöst. Oft hörst du deshalb keinen Grundton, bei dem die Musik „zu Hause“ ist.

Dazu kommen weitere hörbare Merkmale: extreme Tonlagen, also sehr hohe und sehr tiefe Töne; extreme Unterschiede in der Lautstärke, die man auch Dynamik nennt; zerklüftete Melodien mit weiten Sprüngen; ein freier Rhythmus ohne gleichmäßigen Takt und eine neuartige Instrumentation, also ein ungewohnter Einsatz von Instrumenten und Stimmen.

Zur neuartigen Instrumentation gehört die Klangfarbe. Das ist der besondere Klang eines Instruments: Ein Ton klingt auf der Flöte anders als auf der Trompete, auch wenn er gleich hoch ist. Am Schluss seines Buches „Harmonielehre“ brachte Schönberg den Begriff Klangfarbenmelodie ins Spiel: eine Folge von Klangfarben, die so logisch zusammenhängt wie eine Melodie aus hohen und tiefen Tönen. Umgesetzt hat er das im dritten seiner Fünf Orchesterstücke op. 16 (1909), das ursprünglich „Farben“ hieß. Die Abkürzung „op.“ steht für „Opus“, lateinisch für „Werk“; die Zahl ist die Werknummer. Ein weiteres Beispiel ist Schönbergs „Pierrot lunaire“ op. 21 (1912) für eine Sprechstimme und eine kleine Instrumentengruppe: Die Stimme liegt zwischen Sprechen und Singen.

So ordnest du begründet ein: Sammle beim Hören mehrere Merkmale und merke dir zu jedem eine Stelle. Ein einzelnes Merkmal ist nur ein schwacher Hinweis, denn laute und leise Stellen oder hohe und tiefe Töne gibt es auch in vielen anderen Stücken. Erst wenn mehrere Merkmale zusammenkommen, zum Beispiel reibende Klänge ohne Auflösung, kein hörbarer Grundton und weite Sprünge, kannst du ein Stück überzeugend dem Expressionismus zuordnen. Fasse dein Ergebnis in einem Satz mit „weil“ zusammen.

Probiere es mit dem Hörbeispiel auf dieser Seite aus: Schönbergs Klavierstück op. 11 Nr. 1 (1909), gespielt von Irakly Avaliani. Die Aufnahme beginnt mit Raumgeräuschen und Applaus; starte deshalb bei etwa 0:30. Die Beschreibung zur Aufnahme nennt Gegensätze zwischen hohen und tiefen Lagen, zwischen leise und laut und zwischen dünnen und dichten Klängen sowie einen beweglichen, freien Rhythmus. Prüfe selbst, wo du diese Merkmale hörst, und notiere dir jeweils die Zeit.

Diese drei Begriffe werden oft verwechselt, aber sie beantworten verschiedene Fragen. Expressionismus sagt, was die Musik ausdrücken will und zu welcher Kunstrichtung und Zeit sie gehört. Freie Atonalität und Zwölftontechnik sagen, wie die Töne geordnet sind.

Zuerst zur Tonalität: In einem Stück in C-Dur ist der Ton C der Grundton. Die Musik bezieht sich auf ihn und kehrt oft zu ihm zurück. Diese Ordnung um einen Grundton heißt Tonalität. Atonale Musik ist Musik, deren Melodien und Zusammenklänge nicht auf einen Grundton festgelegt sind. Sie beruht auf der chromatischen Tonleiter, also auf allen zwölf Tönen von C bis H, die auf dem Klavier als weiße und schwarze Tasten nebeneinanderliegen. Das Wort „atonal“ benutzten konservative Musikkritiker anfangs abwertend, besonders für Schönbergs Drei Klavierstücke op. 11 (1909), aus denen das Hörbeispiel stammt. Schönberg und Berg lehnten das Wort ab, weil es für sie nach „ohne Töne“ klang statt nach „ohne Tonart“.

Die erste Phase der Atonalität, in der die Komponisten die gewohnte Harmonik aufgaben, also den gewohnten Umgang mit Zusammenklängen, heißt freie Atonalität. „Frei“ bedeutet hier: Es gab noch keine festen Regeln dafür, wie die Töne geordnet werden. In diese Phase gehören die Werke der Wiener Schule ab 1907, die die Merkmale des Expressionismus am klarsten zeigen.

Schönberg wollte wieder ein Ordnungsprinzip in die atonale Musik bringen. 1921 entwickelte er in Mödling bei Wien seine „Methode des Komponierens mit zwölf nur aufeinander bezogenen Tönen“, die man Zwölftontechnik nennt. Ab 1923 wandte er sie zum ersten Mal an, zum Beispiel in den meisten Sätzen seiner Suite für Klavier op. 25. In einem Vortrag von 1935 erklärte er die Regel: Das Stück verwendet ständig eine Reihe aus zwölf verschiedenen Tönen. Kein Ton wird innerhalb der Reihe wiederholt, und alle zwölf Töne der chromatischen Tonleiter kommen vor. Aus dieser Grundreihe bildet man weitere Formen: den Krebs (die Reihe rückwärts), die Umkehrung (jeder Schritt nach oben geht nun nach unten und umgekehrt) und die Krebsumkehrung. Jede dieser vier Formen kann auf jedem der zwölf Töne beginnen; so stehen 48 Reihenformen zur Verfügung. Unabhängig von Schönberg entwickelte Josef Matthias Hauer eine eigene zwölftönige Technik, die mit Schönbergs Methode wenig gemeinsam hat.

Wie hängt das zusammen? Expressionismus beschreibt das Wozu, freie Atonalität und Zwölftontechnik beschreiben das Wie. Mit der Einführung der Zwölftontechnik zu Beginn der 1920er-Jahre ging der zentrale Bereich des Expressionismus zu Ende. Atonal heißt auch nicht automatisch expressionistisch: Der Verzicht auf die Tonalität verbindet verschiedene Stilrichtungen der modernen Musik. Und ein Zwölftonstück muss nicht atonal klingen: Je nachdem, wie die Reihe gebaut ist, kann es auch als tonal empfunden werden.

Die Form eines Stücks ist sein Bauplan: Aus welchen Teilen besteht es, was kehrt wieder, wie endet es? In tonaler Musik half die Tonart dabei. Die Musik kann sich vom Grundton entfernen und zu ihm zurückkehren; so entstehen Abschnitte, und der Schluss wirkt geschlossen. Die traditionellen Formen beruhten auf der Tonalität.

Anton Webern blickte 1933 in Vorträgen auf die Zeit um 1910 zurück. Er sagte: „Mit der Aufgabe der Tonalität war das wichtigste Mittel zum Aufbau längerer Stücke verloren gegangen.“ Die Tonalität sei für einen geschlossenen Bau „höchst wichtig“ gewesen. Nach Webern waren die Werke, die zwischen dem Verschwinden der Tonalität und dem Zwölftonverfahren entstanden, „kurz, auffallend kurz“. Was damals Längeres entstand, hing nach seinen Worten mit einem „tragenden Text“ zusammen, also mit Worten, zu denen Musik geschrieben wurde.

Ohne Tonalität ging der Zusammenhalt durch die Zusammenklänge verloren. Schönberg und besonders Webern verzichteten auf traditionelle Formen und fanden zu kleinen Sätzen, die sie gern einfach „Stücke“ nannten. Das siehst du an Titeln wie Weberns Fünf Stücke für Orchester op. 10 (1911) oder Schönbergs Sechs kleine Klavierstücke op. 19 (1911). Man spricht hier auch von Reduktion, der Beschränkung auf das Wesentliche: Jeder Ton ist wichtig. Alban Berg ging einen anderen Weg. Er führte klassische Formen fort und konnte dadurch leichter längere Werke füllen. Von ihm stammt die Oper „Wozzeck“ op. 7, komponiert 1917 bis 1922 und 1925 zum ersten Mal aufgeführt.

Kurz zu sein war also keine Regel der Atonalität, sondern eine häufige Folge. Die Zwölftontechnik brachte dann eine neue Ordnung. Schönberg glaubte, er könne damit jedem Werk theoretisch ein „inneres Gefüge“ geben, also einen festen Zusammenhalt von innen. Zu Beginn der 1920er-Jahre besann man sich außerdem wieder vermehrt auf klassische Formen.