Formanalyse: Musik schrittweise verstehen

Bei der Musikanalyse untersuchst du ein Musikstück unter verschiedenen Gesichtspunkten, zum Beispiel nach seinem Aufbau, seinem Rhythmus, seinen Motiven oder seiner Harmonik. Harmonik meint die Zusammenklänge, also Akkorde: mehrere Töne, die gleichzeitig erklingen. Die Formanalyse ist der Versuch, den Aufbau eines Stücks nachzuvollziehen. Dabei sucht man zuerst die groben Einschnitte und die Schlüsse von Abschnitten. Erst danach geht man zu kleineren Bausteinen wie Themen, Taktgruppen und Motiven. So verlierst du dich nicht in Einzelheiten, die über das ganze Stück wenig aussagen.

Für dieses Vorgehen nutzt du in dieser Lektion drei Größenebenen. Die Einteilung ist ein Werkzeug zum Ordnen, kein festes Gesetz. Auf der Großebene betrachtest du das ganze Stück und seine großen Teile. Auf der Abschnittsebene schaust du in einen Teil hinein und suchst Taktgruppen. Ein Takt ist eine kurze Zähleinheit, zum Beispiel vier Schläge, die du mitzählen kannst. Auf der Detailebene suchst du die kleinsten Bausteine, die Motive.

Ein bekanntes Beispiel für die Abschnittsebene ist die Periode. Eine typische Periode ist acht Takte lang und gleichmäßig in zwei Teile gegliedert: 8 = 4 + 4. Der erste Teil heißt Vordersatz, der zweite Nachsatz. In der Mitte steht ein Halbschluss: Die Musik kommt kurz zur Ruhe, klingt aber noch offen, ähnlich wie ein Komma. Am Ende steht ein Ganzschluss, der abgeschlossen klingt, ähnlich wie ein Punkt. Vordersatz und Nachsatz verwenden einander entsprechende Motive.

Ein Motiv kann schon aus zwei Tönen bestehen. Beim Kuckucksmotiv folgt auf einen Ton ein etwas tieferer; diesen Tonabstand nennt man kleine Terz. Beim Jagdmotiv steigt die Musik von einem Ton zu einem höheren; dieser Tonabstand heißt Quarte. Wo ein Motiv anfängt und aufhört, hörst du meistens an Einschnitten wie Pausen oder Atemstellen.

Die Formenlehre, also die Lehre vom Aufbau der Musik, untersucht unter anderem, wie musikalische Teile zueinander in Beziehung stehen. Sie nennt dafür Wiederholung, Varianten- und Kontrastbildung, Entwicklung, Reihung oder sogar Beziehungslosigkeit. Für das Gliedern von Abschnitten brauchst du vor allem vier davon.

Bei einer Wiederholung kehrt ein Teil gleich wieder; er bekommt denselben Buchstaben, zum Beispiel A und noch einmal A. Bei einer Variation (auch Variante genannt) kehrt ein Teil erkennbar wieder, aber etwas ist verändert, etwa der Rhythmus, die Lautstärke oder das Instrument. Du schreibst dann A' und sprichst „A Strich“. Bei einem Kontrast folgt ein deutlich anderer Teil mit neuem Material, zum Beispiel einer neuen Melodie. Er bekommt einen neuen Buchstaben, zum Beispiel B.

Bei der Entwicklung wird ein Baustein nicht einfach wiederholt, sondern weiterverarbeitet. In der Durchführung, einem Hauptteil der Sonatensatzform (mehr dazu im letzten Abschnitt), wird das vorher vorgestellte Material üblicherweise so verarbeitet. Man nennt das motivisch-thematische Arbeit. Typische Techniken sind die Sequenz, bei der ein Motiv auf einer anderen Tonhöhe wiederholt wird, und die Abspaltung, bei der ein Stück des Motivs abgetrennt und allein weitergeführt wird. Entwicklung erkennst du daran, dass du Bekanntes wiederfindest, es sich aber Schritt für Schritt verändert.

Begründet gliedern heißt: Du nennst bei jeder Grenze, was gleich bleibt und was sich ändert. Zwischen Variation und Kontrast entscheidet die Frage, ob der Teil noch erkennbar ist. Bleibt die Melodie erkennbar, spricht das für eine Variation. Klingt der Teil deutlich anders und bringt neues Material, spricht das für einen Kontrast.

Musikalische Parameter sind die Eigenschaften, die du an Musik untersuchen kannst. Dazu gehören die Melodie (wie die Töne steigen, fallen oder springen), der Rhythmus (lange und kurze Töne, Pausen), die Harmonik (Akkorde), die Dynamik (Lautstärke), das Tempo (Geschwindigkeit) und die Klangfarbe mit der Besetzung (welche Instrumente oder Stimmen spielen). Auch Motive lassen sich so beschreiben: Manche sind vor allem durch ihre Melodie geprägt, andere vor allem durch ihren Rhythmus oder ihre Harmonik.

Besonders starke Belege für Grenzen sind Schlüsse, die Kadenzen. Der Musiktheoretiker Heinrich Christoph Koch beschrieb um 1800 einen geschlossenen Teil eines Musikstücks als Abschnitt, der „mit einem vollkommenen Ruhepunkte des Geistes“ schließt, „den man eine Cadenz nennet“. Das ist eine alte Schreibweise. Mit „Cadenz“ meinte Koch einen Ganzschluss, also einen Schluss, an dem die Musik ganz zur Ruhe kommt.

Damit deine Analyse überzeugt, trennst du drei Schritte. Eine Beobachtung beschreibt, was man hört oder in den Noten sieht; ein anderer kann sie nachprüfen. Eine Funktion sagt, welche Aufgabe diese Stelle im Ablauf hat, zum Beispiel einen neuen Teil zu eröffnen oder einen Abschnitt zu schließen. Eine Deutung sagt, was die Stelle ausdrücken oder bewirken könnte. Deutungen können verschieden ausfallen, aber sie müssen sich auf Beobachtungen stützen. Eine genaue Formanalyse macht in vielen Fällen erst eine gut begründete Deutung möglich.

Ein Formmodell ist ein Bauplan, der typische Abläufe zusammenfasst. Ein einfaches Formmodell ist die dreiteilige Liedform. Sie hat oft den Ablauf A–B–A: einen Anfangsteil, einen kontrastierenden Mittelteil und die Wiederholung des Anfangsteils. Sie ist typisch für viele Volks- und Kinderlieder. Du findest sie aber auch in Sonaten (Werke für ein oder wenige Instrumente, zum Beispiel Klavier) und Sinfonien (große Werke für Orchester), häufig in langsamen Sätzen. Ein Satz ist ein in sich geschlossener Teil eines größeren Werks.

Ein größeres Formmodell ist die Sonatensatzform. Ein Satz in dieser Form besteht üblicherweise aus drei Hauptteilen: In der Exposition wird das musikalische Material vorgestellt, in der Durchführung wird es verarbeitet, in der Reprise kehrt es wieder.

Dieses Schema entstand erst nachträglich, in der Musiktheorie des 19. Jahrhunderts. Es wurde teilweise rückwirkend auf Musik angewendet, die vorher komponiert worden war, nämlich auf Musik der Wiener Klassik. So nennt man die Musik von Komponisten wie Haydn, Mozart und Beethoven aus dem späten 18. und frühen 19. Jahrhundert. Ausführlich als allgemeines Modell beschrieben wurde die „Sonatenform“ erstmals von Adolf Bernhard Marx in seiner Kompositionslehre „Die Lehre von der musikalischen Komposition“, die von 1837 bis 1847 in Leipzig erschien. Das vollständige Schema mit den heute üblichen Begriffen taucht erstmals 1904 bei Alfred Richter auf; 1911 hielt Hugo Leichtentritt es in seiner Formenlehre fest.

Für dich heißt das: Weil das Schema erst nach dieser Musik entstand, zeigt eine Abweichung nicht, dass ein Satz schlecht komponiert ist. Nutze ein Formmodell wie eine Liste von Fragen: Gibt es einen Teil, der Material vorstellt? Kehrt der Anfang zurück? Wo weicht das Stück ab? Beschreibe Abweichungen genau, zum Beispiel einen veränderten Schlussteil (A') oder einen ganz neuen dritten Teil (C). Passt kein Modell gut, darfst du die Teile auch der Reihe nach beschreiben: Die Formenlehre kennt auch die Reihung, bei der Teile einfach aneinandergehängt werden.