Klassische Musik: Begriff, Epochen und Werke

Das Wort „klassische Musik“ hat im deutschen Sprachraum mehrere Bedeutungen. Welche gemeint ist, hängt davon ab, wer spricht und worüber. Die Musikwissenschaft, also die Wissenschaft, die Musik erforscht, benutzt den Begriff im engen Sinn: Dann meint er die europäische Kunstmusik einer bestimmten Epoche. Eine Epoche ist ein Zeitabschnitt der Geschichte. Diese Epoche heißt „Klassik“ und reicht etwa von 1730 bis 1830. Kunstmusik nennt man Musik, die Komponisten als Kunstwerk erfinden und aufschreiben, zum Beispiel Sinfonien oder Opern. Ein Komponist ist jemand, der Musik erfindet und aufschreibt.

Ein Teil dieser Epoche heißt Wiener Klassik. Mit Wiener Klassik meint man oft nur das Werk von drei Komponisten: Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven.

Im Alltag benutzt man das Wort im weiten Sinn. Dann meint „klassische Musik“ die ganze Tradition der europäischen Kunstmusik über alle Epochen hinweg. Dazu zählt der Gregorianische Choral, den Mönche im Mittelalter einstimmig sangen, ebenso wie Sinfonien für Orchester aus dem 18. und 19. Jahrhundert. Auch Werke aus dem 20. Jahrhundert gehören dazu, die ohne feste Tonart auskommen. Oft nennt man außerdem neue Unterhaltungsmusik so, die im Stil klassischer Werke komponiert ist. Dafür gibt es den Ausdruck „populäre Klassik“.

Das Wort „klassisch“ steht auch für ältere Musiktraditionen aus Kulturen außerhalb Europas. Man unterscheidet sie so von moderner Popmusik, zum Beispiel bei klassischer indischer Musik. Außerdem nennt man populäre Musiktraditionen so, von denen es schon lange einen festen Bestand an bekannten Stücken gibt, etwa „klassischen Jazz“. Auch populäre Stile nennt man manchmal „klassisch“, wenn sie sich an den Anfängen ihrer Tradition orientieren.

Übrigens ist der Begriff selbst jünger als viele Werke, die man so nennt. „Klassische Musik“ tauchte erst Anfang des 19. Jahrhunderts auf. Damit wollte man die Zeit von Johann Sebastian Bach bis Ludwig van Beethoven als goldenes Zeitalter festhalten, also als besonders wertvolle Zeit.

Notation heißt: Musik wird mit Zeichen aufgeschrieben, also in Notenschrift. Die europäische Kunstmusik unterscheidet sich weitgehend von vielen klassischen Musikformen außerhalb Europas und von einigen populären Musikformen durch ihre Notenschrift mit Notenlinien. Diese wird etwa seit dem 11. Jahrhundert verwendet. Katholische Mönche entwickelten die ersten Formen der europäischen Notenschrift. Sie wollten damit die Liturgie, also den Ablauf des Gottesdienstes, in der ganzen Kirche einheitlich machen. Schon vor den Notenlinien gab es Neumen: Zeichen ohne Linien, die nicht genau zeigten, wie hoch ein Ton ist. Nach und nach kamen Linien hinzu. Seit dem 20. Jahrhundert verzichten manche Komponisten aber wieder auf eine ganz genaue Notenschrift.

Typisch für die westliche klassische Musik ist eine Teilung in drei Rollen. Der Komponist erfindet die Musik und schreibt sie auf. Man schreibt ihm besonders viel Inspiration zu, also eigene, schöpferische Einfälle. Die Musiker spielen das Stück; ihre Arbeit gilt im Vergleich eher als Handwerk. Die Zuhörer hören gesittet zu, also höflich und ruhig. Was dabei entsteht, sind vor allem Werke: Musikstücke, die Komponisten aufgeschrieben haben. Ein musikalisches Werk ist ein in sich geschlossenes Stück oder eine Sammlung solcher Stücke. Man sagt aber auch „das Werk Mozarts“ und meint dann alle Stücke, die Mozart geschaffen hat. Dass sich diese Musik so stark um aufgeschriebene Werke dreht, nennt man Werkorientierung. Mithilfe der Werke ordnet man die Musikgeschichte nach Epochen und nach Gattungen, also nach Arten von Werken.

Im Mittelalter sangen Mönche den Gregorianischen Choral einstimmig: Es erklingt nur eine einzige Melodielinie. Ab dem 12. Jahrhundert entwickelte die europäische Kunstmusik die Polyphonie. In einer Bedeutung des Wortes heißt das: Mehrere Stimmen klingen zugleich, und jede bleibt selbstständig. In Chorwerken der Renaissance, einer späteren Epoche, sangen mehrere selbstständige Melodien gleichzeitig. Das Gegenstück heißt Homophonie. Auch dort klingen mehrere Stimmen, aber bloß als Akkorde. Ein Akkord ist ein Zusammenklang aus mehreren Tönen. Die Stimmen sind dann nicht selbstständig, zum Beispiel wenn eine Gitarre zu einem Lied nur Akkorde spielt. Musikethnologen, also Forscher, die Musik aus aller Welt untersuchen, vermeiden das Wort Polyphonie oft für Musik außerhalb Europas.

Um ein Werk zu beschreiben, helfen drei Fragen. Erstens: Zu welcher Gattung gehört es? Eine Gattung ist eine Art von Werk mit typischen Merkmalen. Die klassische Musik entwickelte eigene Gattungen für Instrumente. Dazu gehören die Sinfonie, ein Werk für Orchester in mehreren Sätzen, also in mehreren abgeschlossenen Teilen. Dazu gehören auch das Konzert, in dem ein Soloinstrument mit dem Orchester spielt, und die Sonate, ein Werk in mehreren Sätzen für ein Instrument oder wenige Instrumente. Für Stimmen und Instrumente zusammen gibt es zum Beispiel die Oper, ein Theaterstück, in dem gesungen wird, und die Messe, Musik für den katholischen Gottesdienst. Die meisten populären Stile benutzen dagegen die Form des Liedes mit Strophen oder eine Abwandlung davon.

Bei Sinfonien und Quartetten, also Stücken für vier Spieler, wurden in der Wiener Klassik ab den 1760er-Jahren vier Sätze typisch. Die Folge war meist: schnell – langsam – Menuett – schnell. Ein Menuett ist ein Satz im Stil eines Tanzes. Die beiden mittleren Sätze konnten auch getauscht sein. Für Konzerte blieben drei Sätze typisch: schnell – langsam – schnell.

Zweitens: Welche Besetzung hat das Werk? Die Besetzung sagt, welche Instrumente und Stimmen mitwirken. Zu einem Sinfonieorchester gehören Instrumente aus vier Familien: Streichinstrumente wie die Geige, Holzblasinstrumente wie die Flöte, Blechblasinstrumente wie die Trompete und Schlaginstrumente wie die Pauke. Aus einzelnen Gruppen lassen sich kleinere Klangkörper bilden, etwa ein Kammerorchester, also ein kleines Orchester. Dazu kommen Soloinstrumente wie Klavier, Orgel oder Cembalo, ein älteres Tasteninstrument. Die meisten dieser Instrumente wurden vor der Mitte des 19. Jahrhunderts erfunden, oft schon viel früher.

Drittens: In welchem historischen Zusammenhang entstand das Werk? Dazu gehören die Zeit, die Epoche und der Komponist. Die ersten Sinfonien entstanden in der Epoche der Klassik ab der Mitte des 18. Jahrhunderts. Zur Wiener Klassik zählt man oft nur das Werk von Haydn, Mozart und Beethoven. In Kunst und Architektur, also Baukunst, entspricht ihr die Epoche des Klassizismus.

Beim Zuhören kannst du drei Arten von Aussagen machen. Eine Beobachtung beschreibt, was zu hören ist: welche Instrumente spielen, ob es laut oder leise, schnell oder langsam ist, ob sich etwas wiederholt. Andere Zuhörer können eine Beobachtung überprüfen, indem sie genau hinhören.

Eine Deutung sagt, was die Musik ausdrücken oder bedeuten könnte, zum Beispiel: „Das klingt wie ein Gespräch zwischen zwei Personen.“ Eine Deutung stützt sich auf Beobachtungen. Andere Zuhörer können aber zu einer anderen Deutung kommen. Deshalb sagst du besser „Für mich klingt das wie …“ oder „Das könnte … bedeuten“.

Ein Werturteil sagt, wie gut oder schön du die Musik findest. Es ist persönlich, aber es sollte nicht beliebig sein: Begründe es mit dem, was du gehört hast. „Das ist schön“ allein ist noch kein begründetes Urteil. Besser ist ein Satz mit „weil“, der eine Beobachtung nennt.

Probiere es mit dem Hörbeispiel auf dieser Seite aus. Laut den Angaben zur Aufnahme ist es der erste Satz der Klaviersonate Nr. 16 in C-Dur von Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791), KV 545. KV 545 ist die Nummer des Stücks in einem Verzeichnis von Mozarts Werken. Der Satz trägt die Tempoangabe „Allegro“, italienisch für „munter, schnell“. Wer das Stück komponiert hat und wann, hörst du nicht: Das stammt aus den Angaben zur Aufnahme. Hören kannst du zum Beispiel Klavierklänge, eine Melodie mit Begleitung, schnelle laufende Tonfolgen und Teile, die wiederkehren, manchmal verändert. Eine Singstimme gibt es nicht.