Mittelalterliche Musik: Choral, Organum und Ars nova

Der Gregorianische Choral ist der Gesang, mit dem die römisch-katholische Kirche im Mittelalter ihre Gottesdienste gestaltete. Er ist einstimmig: Ob einer allein singt oder ein ganzer Chor, es erklingt eine einzige Melodie. Instrumente begleiten ihn nicht, und die Texte sind lateinisch. Einen festen Takt gibt es nicht. Die Melodie richtet sich nach dem Text und ist wie Sätze in Abschnitte gegliedert. Auch die genaue Tonhöhe, auf der man beginnt, ist nicht festgelegt.

Mit Organum bezeichnet man die ersten Arten der Mehrstimmigkeit im Abendland, also im westlichen Europa, im 9. bis 11. Jahrhundert. Dabei singen zu einer Choralmelodie eine oder mehrere weitere Stimmen. Die Mehrzahl von Organum heißt Organa. Eine Musiklehre aus dem 9. Jahrhundert, die „Musica enchiriadis“, beschreibt das Parallelorganum: Zwei Stimmen beginnen auf demselben Ton, gehen auseinander, laufen dann im Abstand einer Quinte nebeneinander her und finden am Schluss wieder auf einem Ton zusammen. Eine Quinte ist der Abstand von fünf Tonstufen, zum Beispiel von C bis G.

Um 1200 wurde das Organum viel kunstvoller. In der Notre-Dame-Schule, benannt nach der Kirche Notre-Dame in Paris, umspielen bis zu drei Stimmen die Töne eines Chorals so geschäftig, dass die Choraltöne nur sehr langsam fortschreiten. Diese Stücke sangen Solisten, also einzelne Sänger, an besonderen Festtagen im Kirchenjahr. Als wichtigste Komponisten gelten Léonin und Pérotin.

Zur Ars antiqua (lateinisch: alte Kunst) zählt man Komponisten wie Franco von Köln, Adam de la Halle und Petrus de Cruce, die vor allem im 13. Jahrhundert wirkten. Die wichtigste Gattung, also Art von Musikstück, war in der mehrstimmigen Musik des 13. Jahrhunderts die Motette. In einer Motette können verschiedene Texte gleichzeitig gesungen werden, auch in verschiedenen Sprachen. Oft beziehen sich die Texte aufeinander: Zu einem geistlichen Text kommt zum Beispiel ein zweiter, der kritisiert, dass Vertreter der Kirche anders leben, als sie predigen.

Mit Ars nova (lateinisch: neue Kunst) bezeichnet man eine Musik, die in Frankreich ab etwa 1300 aufkam. Ihre führenden Komponisten waren Philippe de Vitry und Guillaume de Machaut. Typisch ist die isorhythmische Motette: Die Grundstimme, der Tenor, singt einen Ausschnitt aus einem Choral mehrmals und wiederholt dabei ein langes, festes Rhythmusmuster. Beliebt war auch der Hoquetus: Zwei Stimmen wechseln sich rasch beim Singen und Pausieren ab. Möglich wurde dieser neue Stil durch eine genauere Notenschrift.

Notation heißt, Musik mit Zeichen aufzuschreiben. Im Mittelalter wurde die Notation Schritt für Schritt genauer, und jede neue Stufe machte etwas Neues aufschreibbar.

Zuerst gab es Neumen: viele Zeichen, Punkte, kleine Striche und Schnörkel über dem Text. Sie zeigten anschaulich, ob die Melodie steigt oder fällt. Ohne Linien war aber zu unbestimmt, wie hoch ein Zeichen genau gemeint war. Deshalb ließen sich Neumen sehr verschieden lesen.

Schon vor Guido von Arezzo hatten Schreiber es mit einer, dann mit zwei Linien versucht, mal schwarz, mal farbig. Guido war ein Mönch aus dem Orden der Benediktiner und starb 1050; seine wichtigste Schrift, der „Micrologus“, entstand um 1025. Er nutzte vier Linien und die Zwischenräume dazwischen. So bekam jedes Zeichen einen bestimmten Platz in einem Bereich von neun Tonstufen, und man konnte genau ablesen, welche Tonstufe gemeint war und wie groß die Schritte zwischen den Tönen waren. Auf welcher Tonhöhe man anfing, legten die Linien aber nicht fest.

Um auch den Rhythmus aufzuschreiben, also wie lang die Töne dauern, entstand in der Notre-Dame-Zeit, im 12. Jahrhundert bis zum Beginn des 13. Jahrhunderts, die Modalnotation. Sie kannte sechs Grundrhythmen, die Modi. Sie waren an Versmaße angelehnt, also an die Muster aus langen und kurzen Silben in griechischen Gedichten. Ein Modus wurde durch eine Ligatur angezeigt, eine Gruppe von zwei bis vier verbundenen Noten. Wenn mehrere Stimmen zusammen singen, hilft ein aufgeschriebener Rhythmus, damit sie zusammenpassen.

Die Modalnotation ließ aber nur eine festgelegte Anzahl von Rhythmen zu. Vor allem für Musik, die von Instrumenten gespielt wurde, brauchte man deshalb bald etwas Neues. Im Laufe des 13. Jahrhunderts löste die Mensuralnotation die Modalnotation ab. Sie arbeitet mit Notenwerten, also eigenen Zeichen für unterschiedlich lange Töne. Franco von Köln schrieb am Ende des 13. Jahrhunderts als Erster ihre Regeln auf. Er ging von der Longa (lang) und der Brevis (kurz) aus und nahm die Maxima (doppelte Longa) und die Semibrevis (halbe Brevis) hinzu. Zu den Notenwerten dieser Schrift gehörten außerdem Minima und Semiminima. Anfangs nutzte man nur den dreiteiligen Rhythmus: Ein langer Ton wurde in drei kürzere geteilt, so wie man „eins, zwei, drei“ zählt. Als später auch der zweiteilige Rhythmus dazukam, nannte man den dreiteiligen „vollkommen“ und den zweiteiligen „unvollkommen“. Wie lang eine Note genau war, hing aber auch von ihren Nachbarnoten ab, und das machte das Lesen schwer.

Die neue Schrift eröffnete neue Möglichkeiten. Petrus de Cruce setzte gegen Ende des 13. Jahrhunderts viele kurze Töne auf eine Zählzeit, also auf einen Schlag, den man mitzählt. Weil das Verhältnis dieser kurzen Töne zueinander nicht geklärt war, blieb das aber uneindeutig. In der Ars nova nutzten Philippe de Vitry und Guillaume de Machaut die Mensuralnotation für einen neuen Stil: Oberstimmen mit schnellen Folgen aus Brevis, Semibrevis und Minima, ein langes, genau wiederholtes Rhythmusmuster im Tenor und Spiele mit Zahlen und Verhältnissen.

Stell dir vor, du hörst ein mittelalterliches Stück, kennst aber weder Titel noch Komponist. Dann gehst du vor wie ein Detektiv: Du sammelst Indizien, also Hinweise, und prüfst, ob sie zusammenpassen. Ein einzelner Hinweis kann täuschen. Mehrere Hinweise zusammen machen eine Einordnung sicherer.

Zähle zuerst die Stimmen. Eine einzige Melodie ohne festen Takt mit lateinischem Text spricht für den Gregorianischen Choral. Zwei Stimmen, die auf einem Ton beginnen, im Abstand einer Quinte parallel laufen und am Schluss wieder zusammenkommen, passen zum frühen Parallelorganum. Die Quinte galt schon den alten Griechen als Konsonanz, also als besonders wohlklingender Zusammenklang. In Schriften aus dem frühen 14. Jahrhundert, zum Beispiel von Johannes de Muris, einem Gelehrten der Universität Paris, taucht dann zum ersten Mal ein Verbot paralleler Quinten und Oktaven auf. Eine Oktave ist der Abstand von acht Tonstufen, etwa von einem C zum nächsten C. Hält eine Stimme lange Choraltöne, während bis zu drei Stimmen darüber viele Töne singen, passt das zur Notre-Dame-Schule um 1200.

Ein wichtiges Indiz für die Ars nova ist die Isorhythmie. Erste Ansätze zeigen sich in den Stücken von Philippe de Vitry. Der Tenor nimmt meist eine passende Melodie aus dem Gregorianischen Choral und gibt ihr einen frei gewählten Rhythmus aus langen Notenwerten. Dieses Rhythmusmuster heißt Talea, die Tonfolge heißt Color. Anders als ein Modus der Notre-Dame-Zeit, der nur eine kurze Formel wie lang–kurz wiederholt, ist die Talea ein langes Muster über viele Töne. Nach etwa 10 bis 20 Großtakten, also größeren Zähleinheiten, beginnt die Talea neu: mit derselben Folge aus langen und kurzen Notenwerten und Pausen, auch wenn die Tonfolge, der Color, noch nicht zu Ende ist. Die Töne laufen also weiter, nur der Rhythmus fängt von vorn an. Oft decken sich Talea und Color, oder einer passt mehrmals genau in den anderen. Überschneiden sie sich aber, zum Beispiel 2 Durchgänge des Color auf 5 Durchgänge der Talea, dann bekommen die Melodietöne bei der Wiederkehr einen anderen Rhythmus.

Über dem Tenor singen Oberstimmen freier und schneller, mit Brevis, Semibrevis und Minima. Oft sind sie nicht isorhythmisch; in manchen Stücken wiederholen aber auch sie ihre Rhythmen genau. Gegen Ende gibt es eine Beschleunigung. Weil die Stimmen ihre Abschnitte nicht gleichzeitig beenden, kann man die Form beim Hören kaum erkennen. Typisch sind außerdem Spiele mit Zahlen und Verhältnissen und der Hoquetus.

Vorsicht: Isorhythmie gab es nicht allein im 14. Jahrhundert. Guillaume Dufay nutzte sie noch 1436 in seiner festlichen Motette „Nuper rosarum flores“, und im 20. Jahrhundert griffen Komponisten wie Igor Strawinski sie wieder auf. Ein einzelnes Merkmal beweist also noch keine Epoche.

Was wir über mittelalterliche Musik wissen, hängt an der Überlieferung: an dem, was aus jener Zeit erhalten ist und weitergegeben wurde. Diese Überlieferung hat Lücken.

Viele alte Zeichen sind nicht eindeutig. Neumen ohne Linien lassen die verschiedensten Lesarten zu. In der Mensuralnotation hing die Dauer einer Note auch von ihren Nachbarnoten ab, was das Entziffern sehr schwer macht. Bei Petrus de Cruce ist das Verhältnis der kurzen Töne zueinander nicht geklärt. Beim Gregorianischen Choral ist außerdem keine feste Anfangstonhöhe vorgegeben: Die Sänger wählen sie selbst. Wer solche Musik aufführen will, muss deshalb an manchen Stellen selbst entscheiden, wie sie gemeint war.

Über manche Musik wissen wir viel, über andere wenig. Der Kirchengesang ist die wichtigste Quelle für die Musik des frühen Mittelalters. Neben der Kirchenmusik entwickelten sich schon im frühen Mittelalter auch Volkslieder, Volkstänze und die Musik der Spielleute, also umherziehender Musiker. Wie diese frühe Musik klang, lässt sich aber aus den vorhandenen, viel späteren Quellen nur schwer erschließen. Die Musik auf Mittelaltermärkten unserer Zeit erhebt meist keinen Anspruch, so zu klingen wie damals.

Auch Legenden können täuschen. Der Gregorianische Choral ist nach Papst Gregor I. benannt, der 604 starb. Lange galt Gregor als Verfasser der Melodien. Viele mittelalterliche Bilder zeigen, wie ihm der Heilige Geist in Gestalt einer Taube die Choralmelodien eingibt. Diese Vorstellung geht wahrscheinlich auf eine Lebensbeschreibung Gregors von Johannes Diaconus zurück. Nach dem Wissensstand von 2026 gilt als sicher, dass die mehreren tausend Choralmelodien nicht von einer einzigen Person stammen. Auch Guido von Arezzo wurden viele Neuerungen zugeschrieben, zum Teil zu Unrecht.

Auch Epochen sind Werkzeuge, keine festen Mauern. Eine Epoche ist ein Zeitabschnitt, den man wegen gemeinsamer Merkmale zusammenfasst. Die Musikwissenschaft teilt das musikalische Mittelalter in drei Epochen: die Zeit bis etwa 1100 mit vorwiegend einstimmiger Musik, das 12. und 13. Jahrhundert mit der Notre-Dame-Schule und die Zeit von etwa 1300 bis 1430 mit Ars nova und Trecento, der Musik Italiens im 14. Jahrhundert. Alle Grenzen sind ungefähre Angaben. Jakobus von Lüttich zählt zu den Komponisten der Ars antiqua, lebte aber um 1260 bis 1330, also bis ins 14. Jahrhundert hinein, als es die Ars nova schon gab. Die Mensuralnotation gab es schon im 13. Jahrhundert, vor der Ars nova. Gegen Ende des 14. Jahrhunderts wurde die Ars nova von der noch komplizierteren Ars subtilior abgelöst, und die Isorhythmie lebte bis ins 15. Jahrhundert weiter und kam im 20. Jahrhundert wieder. Die Namen „alte Kunst“ und „neue Kunst“ sagen nur etwas über einen Vergleich, keine genauen Jahreszahlen.