Musik der Renaissance: Merkmale und Wandel

Das Wort Renaissance ist französisch und bedeutet „Wiedergeburt“. So nennt man eine Zeit in Europa, in der Gelehrte und Künstler die Kultur der alten Griechen und Römer wiederbelebten. Diese alte Zeit heißt Antike. Ihre Leistungen wurden zum Maßstab für neue Werke. Besonders in Literatur, Bildhauerei, Malerei und Baukunst entstand viel Neues. Eine Epoche ist ein Zeitabschnitt, den man unter einem Namen zusammenfasst. Den Namen Renaissance für diese Epoche gibt es erst seit dem 19. Jahrhundert, also seit den 1800er-Jahren.

Mit Musik der Renaissance meint man die europäische Musik am Beginn der Neuzeit, also der Zeit nach dem Mittelalter. Gemeint ist das 15. und 16. Jahrhundert, das sind ungefähr die Jahre 1400 bis 1600. Der Begriff beschreibt also Musik aus Europa, nicht Musik aus der ganzen Welt. Auf die Renaissance folgte die Epoche des Barock, die um 1600 von Italien ausging. Wo die Renaissance in der Musik genau beginnt und endet, ist in der Forschung nicht geklärt. Auch darüber, welche Merkmale typisch für diese Musik sind, gibt es keine Einigkeit.

Sogar über den Namen selbst sind sich Musikwissenschaftler nicht einig. Das sind Forscher, die Musik und ihre Geschichte untersuchen. Hugo Riemann lehnte Renaissance als Namen für eine Epoche der Musik ab. Sein Grund: Die Künste hingen nicht so eng zusammen, dass man einen Epochennamen, der vor allem von Neuerungen in Malerei, Bildhauerei und Baukunst geprägt ist, einfach auf die Musik übertragen könne. Er benutzte stattdessen den Namen eines Stils: „Musik des durchimitierenden a cappella-Stils“. A cappella heißt: gesungen ohne Instrumente. Was durchimitierend bedeutet, lernst du im nächsten Abschnitt. Ludwig Finscher verwendet in seinem „Handbuch der Musikgeschichte“ von 1989 den Begriff Renaissancemusik nicht. Er spricht von „Musik des 15. und 16. Jahrhunderts“. Laurenz Lütteken kommt in seinem Buch „Musik der Renaissance“ zu einem anderen Ergebnis: Er sieht die Musik dieser Zeit als wesentlichen Teil der Renaissance und ordnet sie in die gesamte Kulturgeschichte ein.

Im Mittelpunkt der Renaissancemusik steht mehrstimmige Musik für Singstimmen. Mehrstimmigkeit heißt: Mehrere Stimmen erklingen gleichzeitig. Dabei gibt es zwei Arten. Bei der Polyphonie hat jede Stimme ihre eigene, selbstständige Melodie. Bei der Homophonie bewegen sich die Stimmen meist im gleichen Rhythmus, wie in Akkorden, also zusammenklingenden Tönen. In der Renaissance kommen beide Arten vor. In dieser Zeit wurde die Einteilung der Stimmen in Sopran und Alt (hohe Stimmen) sowie Tenor und Bass (tiefere Stimmen) abgeschlossen. Mit der zusätzlichen Bassstimme wurde der Satz für vier Stimmen im Chor zum Standard.

Ein Klangideal ist die Vorstellung davon, wie Musik klingen soll. Es veränderte sich gegenüber dem Mittelalter. Die hohen Spaltklänge der mittelalterlichen Musik, also Klänge, deren Stimmen sich nicht vermischen, wurden durch Vollklänge ersetzt. Bei einem Vollklang verbinden sich die Stimmen zu einem gemeinsamen, vollen Klang. Wichtig sind dabei die Intervalle, also die Abstände zwischen zwei Tönen. Vorher prägten Quinten (zum Beispiel c und g) und Quarten (c und f) den Zusammenklang. In der Renaissance wichen sie Terzen (c und e) und Sexten (c und a). Seit der Renaissance empfindet man Terzen und Sexten als konsonant, also als wohlklingend und ruhig. Auch die neue Bassstimme veränderte das Klangideal.

Wenn viele Stimmen gleichzeitig verschiedene Worte singen, kann man den Text schwer verstehen. Schon bei Guillaume Dufay, dem ersten Hauptvertreter der franko-flämischen Musik (mehr dazu im letzten Abschnitt), wechseln volle Abschnitte mit Abschnitten für zwei oder drei Stimmen. Diese dünneren Abschnitte können helfen, den Text deutlicher zu machen. Um 1500 wurde das Ideal der Vielfalt und Abwechslung (lateinisch varietas) durch ein Ideal größerer Klarheit ersetzt: Man sollte der Musik besser folgen können. In Motetten, das sind Chorstücke (mehr dazu im nächsten Abschnitt), beginnt oft jede Textzeile mit einer kurzen Melodie, die nacheinander durch alle Stimmen wandert. Das nennt man Durchimitation. Josquin Desprez stellte sich gegen die Gewohnheit, eine Komposition mit irgendeinem beliebigen Text zu unterlegen. Bei ihm geht die Musik auf den Inhalt und das Gefühl des Textes ein.

Geistliche Musik gehört zum Glauben und zur Kirche. Weltliche Musik gehört zum Leben außerhalb der Kirche, zum Beispiel am Hof eines Fürsten. Eine wichtige geistliche Form war die Messe. Dabei vertonten Komponisten die gleichbleibenden Texte des Gottesdienstes. Zur Zeit von Guillaume Dufay wurde die zusammenhängende Folge aller dieser Teile, der Messzyklus, zur zentralen Form. Vorher hatte man meist einzelne Teile vertont.

Die Motette wurde in der Renaissance zu einem kurzen Chorstück, in dem mehrere Stimmen kunstvoll gegeneinander geführt werden. Das Fachwort dafür ist kontrapunktisch. Meist gehörte eine Motette zu keinem bestimmten Feiertag und konnte darum jederzeit gesungen werden. Ihre Texte stammten meist aus Antiphonen, das sind kurze Gesänge aus dem Gottesdienst. Es gab aber auch weltliche Motetten; häufig lobten sie einen Fürsten.

Das Madrigal gilt als die bedeutendste Form der weltlichen Musik in der Renaissance. Von der Motette war es in dieser Zeit oft kaum zu unterscheiden. Man sagte vereinfacht: Ist der Text lateinisch, ist es eine Motette; ist er in der Landessprache, zum Beispiel Italienisch, ist es ein Madrigal. Der Inhalt allein entschied also nicht über die Form. Der Komponist Giovanni Pierluigi da Palestrina nahm für seine „Motetten“ das Hohelied Salomos, eine Liebesdichtung aus der Bibel. Seine „Madrigale“ schrieb er dagegen zu Texten über Maria, die Mutter Jesu, von dem italienischen Dichter Petrarca. Typisch deutsch ist das Tenorlied: Eine Melodie, oft aus einem Volkslied, liegt im Tenor, und die anderen Stimmen umspielen sie kunstvoll.

Im Mittelpunkt stand der Gesang, doch auch die Musik für Instrumente entwickelte sich. Am Anfang der Instrumentalmusik dieser Zeit steht das Werk „Fundamentum organisandi“ von Conrad Paumann aus dem Jahr 1452. In der Kirchenmusik begann die Orgel sich durchzusetzen; es entstanden Orgelbücher mit Noten und Lehrbücher. Das gebräuchlichste Instrument für die Musik zu Hause war die Laute, ein Zupfinstrument mit Saiten. Mit ihr begleitete man Sologesang und Stücke für mehrere Musiker. Gesangsstücke wurden auch für die Laute umgeschrieben. Für Orgel und Laute gab es eigene Notenschriften, die Tabulaturen.

Viele Holzblas-, Blechblas- und Streichinstrumente wurden jetzt in Familien gebaut: drei oder mehr Instrumente einer Art in verschiedenen Stimmlagen, nach dem Vorbild der Singstimmen eines Chors. Beispiele sind Blockflöten, Posaunen und Gamben. Gamben sind Streichinstrumente, die man beim Spielen zwischen den Beinen hält. Gesangsstimmen und Instrumentenstimmen wurden austauschbar; eine feste Besetzung war nicht mehr allgemein üblich. Meist war nicht festgelegt, welche Instrumente ein Stück spielen. Man stellte die Gruppe danach zusammen, was das Stück verlangte und wie viele Musiker da waren. Es gab Gruppen aus nur einer Instrumentenfamilie und gemischte Gruppen.

Etwa zweihundert Jahre lang hatten Komponisten aus dem Nordwesten Europas führenden Einfluss darauf, wie sich mehrstimmige Musik entwickelte. Nach ihrer Herkunft nennt man ihre Musik franko-flämisch. Viele von ihnen lernten in Maîtrisen. Das waren Musikschulen an großen Kirchen, zum Beispiel in Lüttich, Cambrai, Antwerpen, Brügge und Gent. Viele hatten außerdem ein Amt in der Kirche. Sie komponierten für Chöre, mit denen sie selbst musizierten. Diese Musiker standen im Ruf, aus den führenden Musikzentren ihrer Zeit zu kommen. Deshalb wollten weltliche und geistliche Fürsten in ganz Europa sie an ihren Hof holen und dort halten. Geistliche Fürsten waren hohe Kirchenmänner, die zugleich ein Gebiet regierten. So erklärt sich, an wie vielen Orten diese Musiker wirkten.

Auch auf Papier verbreitete sich Musik auf neue Weise. Bestimmend für die Renaissance war die Erfindung des Notendrucks durch Ottaviano dei Petrucci. Mit dem Druck kann man viele gleiche Exemplare herstellen, statt jedes Notenblatt einzeln mit der Hand abzuschreiben. Außerdem entstanden Tanzbücher, also Sammlungen von Tanzstücken und tanzartigen Liedern, zum Beispiel von Pierre Attaingnant und Tielman Susato. Dazu kamen Schriften über Musiktheorie und Beschreibungen von Instrumenten.

Bei der Orgelmusik übernahm im 16. Jahrhundert Italien die Führung. Am Markusdom, einer großen Kirche in Venedig, wurden neue Orgelstücke eingeführt und von dort aus verbreitet, zum Beispiel Toccata, Fantasie und Canzona. In Venedig entstand auch die Mehrchörigkeit: Mehrere Gruppen von Sängern und Instrumentalisten wurden unterschiedlich aufgestellt, waren unterschiedlich groß und unterschiedlich besetzt. So sollten Gegensätze im Klang entstehen. Als bedeutender Vertreter gilt zum Beispiel Giovanni Gabrieli. Die Mehrchörigkeit wurde auch in späteren Epochen genutzt.

In der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts entwickelte die Florentiner Camerata, ein Kreis von Gelehrten und Musikern in Florenz, die Monodie: einen Sologesang, der von Instrumenten begleitet wird. Die Folge war ein Umschwenken in ganz Europa zu einer Musik, die erstmals menschliche Gefühle, die sogenannten Affekte, als zentralen Inhalt hatte. Um 1600 löste von Italien aus die Epoche des Barock die Renaissance ab. Aus der Monodie entwickelten sich dann größere Formen wie die Oper.