Musik des 20. Jahrhunderts einfach erklärt

Ein Stil ist eine typische Art, Musik zu machen, an der man Stücke wiedererkennt. Eine Epoche ist ein längerer Abschnitt der Geschichte, zum Beispiel der Barock oder die Klassik. Für das 20. Jahrhundert lässt sich aber kein einzelner Stil nennen, der für die ganze Zeit gilt.

Für die komponierte Musik ab etwa 1910 gibt es den Begriff Neue Musik. Er ist ein Sammelbegriff, also ein Name für viele verschiedene Richtungen. Gemeint ist westliche Kunstmusik: Musik, die Komponisten aufschreiben und die zum Beispiel im Konzertsaal oder in der Oper gespielt wird. Der Musikjournalist Paul Bekker prägte den Begriff 1919 mit einem Vortrag.

Die Komponisten suchten nach neuen Klängen, neuen Formen oder neuen Verbindungen alter Stile. Manche führten dabei Traditionen weiter, andere brachen bewusst mit ihnen. Ab etwa 1920 gab es deshalb viele sehr verschiedene Ansätze nebeneinander. Diese Vielfalt der Stile nennt man auch Pluralismus. Sie hat sich danach im Wesentlichen erhalten.

Einig waren sich die Fachleute dabei nicht. Paul Bekker setzte sich um 1920 für die Musik von Arnold Schönberg ein. Die Musikschriftsteller Hans Mersmann und Heinrich Strobel sahen in den 1920er-Jahren dagegen Igor Strawinsky und Paul Hindemith als Hauptvertreter der Neuen Musik. Vor 1950 standen sich Komponisten gegenüber, die ohne Dur und Moll und ohne einen festen Ton schrieben, auf den sich alles bezieht, und solche, die wieder mit so einem Ton schrieben, aber auf neue Weise. Dur und Moll sind die beiden Arten von Tonleitern, auf denen viele ältere Lieder und Stücke beruhen.

Dazu kommt ein Problem beim Einordnen: Stücke werden teils nach Stilen sortiert, zum Beispiel „Expressionismus“, und teils nach Techniken, also danach, wie sie gebaut sind, zum Beispiel „Atonalität“. Atonal heißt: ohne einen festen Ton, auf den sich alles bezieht (mehr dazu im dritten Abschnitt). Diese Begriffe überschneiden sich, deshalb kann ein Stück zu mehreren passen. Ein festes Schema mit klaren Schubladen gibt es für diese Zeit nicht; jede Zuordnung ist eine Deutung, die man begründen muss.

Neue Musik ist aber nicht die ganze Musik des 20. Jahrhunderts. Gleichzeitig entstand neue Popularmusik, also Musik für ein großes Publikum wie Jazz, Rock oder Pop. Auch deshalb ist „Musik des 20. Jahrhunderts“ eher der Name für einen Zeitraum als für einen Stil.

Der Impressionismus hat seinen Namen aus der Malerei. Wie impressionistische Maler versuchten auch Komponisten, Eindrücke von Augenblicken darzustellen. Diese Musik entstand etwa von 1890 bis zum Ersten Weltkrieg (1914–1918), vor allem in Frankreich. Wichtige Komponisten waren Claude Debussy, Maurice Ravel und Paul Dukas; Ravel schrieb allerdings auch viele Werke, die nicht impressionistisch sind. Im Mittelpunkt steht nicht die feste Form eines Stücks, sondern das Klangbild: Es soll die Stimmung und Atmosphäre eines Augenblicks vermitteln. Dafür ist die Klangfarbe wichtig, also wie ein Ton klingt, zum Beispiel weich, hell oder glitzernd, je nach Instrument und Spielweise. Oft entsteht so ein verschwommenes Gesamtbild ohne feste Formen. Debussy lernte 1889 auf der Weltausstellung in Paris die Gamelan-Musik von der Insel Java kennen, die ihn stark beeinflusste. Ein Gamelan ist ein Ensemble mit vielen Gongs und anderen Metallinstrumenten. Ein bekanntes Werk ist Debussys Orchesterstück „La Mer“ (deutsch: „Das Meer“), komponiert von 1903 bis 1905.

Der Name Expressionismus kommt vom Wort für „Ausdruck“. Diese Musik entstand ab etwa 1906 in engem Kontakt mit Malern und Dichtern derselben Richtung, zum Beispiel der Künstlergruppe „Der Blaue Reiter“ in München. Hauptvertreter sind Arnold Schönberg und seine Schüler Anton Webern und Alban Berg in Wien; man nennt sie die Wiener Schule. Ihre Grundidee: Die Musik soll Gefühle möglichst direkt aus dem Seelenleben ausdrücken, also aus dem Inneren eines Menschen mit seinen Gefühlen und Gedanken. Dafür war für sie ein Bruch mit der Tradition und den bisherigen Ausdrucksformen unumgänglich. Als Stil war der Expressionismus um 1925 abgeschlossen, viele seiner musikalischen Merkmale blieben aber erhalten.

Im Namen Neoklassizismus steckt „neo“, das heißt „neu“. Die Grundidee: Komponisten griffen auf ältere Musik zurück und nutzten deren Formen, um ihre eigene Musiksprache zu erneuern. Dabei ging es nicht nur um die Wiener Klassik mit Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven. Besonders typisch sind Elemente des Barock, der Zeit von Johann Sebastian Bach; deshalb sagt man auch Neobarock. Auch Vorbilder aus der Romantik, der Musik des 19. Jahrhunderts, kommen vor. Igor Strawinsky entwickelte seinen Stil im Laufe der 1910er-Jahre in diese Richtung. In Frankreich vertrat die „Groupe des Six“, eine Gruppe junger Komponisten um Erik Satie, eine ähnliche Haltung gegen die Romantik. In Deutschland war Paul Hindemith der bekannteste Vertreter. Der Komponist Ferruccio Busoni hatte schon vorher vorgeschlagen, alte Formen wie die des Barock zur Erneuerung zu nutzen; 1920 wiederholte er das in einem Aufsatz mit dem Titel „Junge Klassizität“.

Ganz sauber trennen lassen sich die Richtungen nicht: Schönberg und Berg hatten auch Gemeinsamkeiten mit dem Neoklassizismus, vor allem bei der Form ihrer Stücke.

Drei Fachwörter helfen dir, Veränderungen zu beschreiben. Harmonik meint, wie Töne zusammenklingen, zum Beispiel in Akkorden. Ein Akkord besteht aus mehreren Tönen, die gleichzeitig erklingen. Melodik meint, wie Töne nacheinander eine Melodie bilden. Rhythmik meint, wie lange und kurze Töne und Betonungen in der Zeit angeordnet sind.

In vielen älteren Stücken gibt es einen Grundton: einen Ton, auf den Harmonik und Melodie bezogen sind, wie ein Zuhause. Dur und Moll bauen auf so einem Grundton auf. Manche Zusammenklänge klingen ruhig, man nennt sie Konsonanzen. Andere klingen reibend und gespannt, das sind Dissonanzen. Früher wurde eine Dissonanz meist in einen ruhigeren Klang weitergeführt; man sagt, sie wird aufgelöst.

Im 20. Jahrhundert änderte sich das. Schon im Impressionismus gab es keinen Zwang mehr, Dissonanzen aufzulösen, und die Tonart wurde oft verschleiert. Im Expressionismus traten Dissonanzen gleichberechtigt neben Konsonanzen und wurden nicht mehr aufgelöst. Man nannte das „Emanzipation der Dissonanz“, also ihre Befreiung. Arnold Schönberg und seine Schüler gaben Dur und Moll schrittweise auf. So entstand atonale Musik: Ihre Harmonik und Melodik ist auf keinen festen Grundton bezogen. Sie beruht auf der chromatischen Tonleiter, die alle zwölf Halbtöne einer Oktave enthält. Ein Halbton ist der kleinste Schritt auf dem Klavier, von einer Taste zur direkt benachbarten. Eine Oktave reicht von einem Ton bis zum nächsthöheren Ton mit demselben Namen, etwa von einem c zum nächsten c. Zählt man vom ersten c an bis kurz vor das nächste c, sind das zwölf Tasten: sieben weiße und fünf schwarze. Das sind die zwölf Töne der chromatischen Tonleiter.

Das Wort „atonal“ benutzten konservative Musikkritiker anfangs als Schlagwort gegen diese Musik, zum Beispiel gegen Schönbergs „Drei Klavierstücke“ von 1909. Schönberg und Alban Berg lehnten das Wort ab, weil sie es als „ohne Töne“ verstanden statt als „ohne Tonart“.

Schönberg suchte danach eine neue Ordnung. Daraus entstand die Zwölftontechnik; ihre Methode wurde 1924 als „Komposition mit zwölf nur aufeinander bezogenen Tönen“ formuliert. Das Prinzip: Alle zwölf Töne werden gleichberechtigt und planvoll verwendet, kein Ton wird bevorzugt. Grundlage ist eine Reihe, in der jeder der zwölf Töne einmal vorkommt. Die Zwölftontechnik beschreibt, wie ein Stück gebaut ist: Sie ist eine Technik, kein Stil. Ähnliche Ideen hatten in den ersten zwei Jahrzehnten des Jahrhunderts offenbar auch andere Komponisten, zum Beispiel Josef Matthias Hauer. Er stritt sich öffentlich mit Schönberg darum, wer die Zwölftonmusik erfunden hat.

Auch die Melodien veränderten sich. Im Impressionismus sind sie oft von besonderen Tonleitern gefärbt, etwa von der Pentatonik, einer Tonleiter aus fünf Tönen, oder von der Ganztonleiter. Diese besteht nur aus Ganztonschritten; ein Ganzton ist ein Schritt aus zwei Halbtönen. Sie hat sechs verschiedene Töne pro Oktave. Debussy verwendete sie zum Beispiel in seinem Klavierstück „Voiles“ (deutsch: „Segel“). Impressionistische Melodien wandern oft dahin, ohne deutlich in Abschnitte gegliedert zu sein. Im Expressionismus sind die Melodielinien dagegen oft zerklüftet, mit weiten Sprüngen und extrem hohen oder tiefen Tönen. Auch die Lautstärke wechselt extrem, vom Flüstern bis zum Schreien.

Beim Rhythmus wurde der gleichmäßige Takt unwichtiger. Ein Takt teilt Musik in gleich lange Abschnitte mit betonten und unbetonten Schlägen. Im Impressionismus wird der Takt oft verschleiert, Betonungen werden frei gesetzt, und die Taktart wechselt häufig. Im Expressionismus ist der Rhythmus frei und nicht an ein festes Taktmuster gebunden. Igor Strawinsky übernahm für seine frühen Ballettmusiken schwierige Rhythmen aus der slawischen Volksmusik, also aus Ländern wie Russland oder Bulgarien. Ein Ballett ist ein Bühnenstück, in dem getanzt wird. Sein in dieser Hinsicht kühnstes Experiment war „Le sacre du printemps“ von 1913. Béla Bartók behandelte in seinem Stück „Allegro barbaro“ von 1911 das Klavier wie ein Schlaginstrument.

Popularmusik ist Musik für ein großes Publikum, oft zum Zuhören in der Freizeit oder zum Tanzen. Ein wichtiges Beispiel ist der Jazz. Er entstand um 1900 in den Südstaaten der USA, also in den südlichen Bundesstaaten. Hervorgebracht wurde er ursprünglich überwiegend von Afroamerikanern, also von Menschen in den USA mit afrikanischen Vorfahren. Das Wort „Jazz“ wird seit 1915 für diese Musik verwendet. Später wurde der Jazz auf viele Arten weiterentwickelt, häufig gemischt mit anderen Musiktraditionen.

Neue Technik veränderte, wie sich Musik verbreitet. Eine Schallplatte ist eine runde Scheibe, auf der Musik gespeichert ist. Mit Schallplatte und Radio konnte Musik weit über den Ort hinaus gehört werden, an dem sie gespielt wurde. Dadurch wurden fast unbekannte Musikrichtungen viel schneller ausgetauscht und aufgenommen. Ein Beispiel ist der Jazz, der sich rasant verbreitete. Der frühe Jazz beeinflusste sogar die Kunstmusik, und zwar schon bevor Schallplatte und Radio ihn weithin bekannt machten: Claude Debussy übernahm Harmonien aus dem frühen Jazz, etwa in seinem Klavierstück „Golliwogg’s Cakewalk“.

Technik brachte auch neue Instrumente. Erfindungen wie Radio, Tonfilm und Tonband regten neue elektrische Instrumente an. Ein Tonband ist ein Band, auf dem man Klänge aufnehmen und wieder abspielen kann. Neue Instrumente waren zum Beispiel das Theremin von Lew Termen, das Trautonium von Friedrich Trautwein und das Instrument Ondes Martenot von Maurice Martenot. Der Komponist Arthur Honegger setzte 1930 eine Ondes Martenot im Film „L’idée“ ein; das gilt als erster Gebrauch eines elektronischen Musikinstruments im Film. Für die Fernsehserie „Doctor Who“ schufen Ron Grainer und die Musikerin Delia Derbyshire 1963 eine der ersten elektronischen Erkennungsmelodien des Fernsehens.

Pierre Schaeffer nahm echte Klänge und Geräusche auf und veränderte sie; diese Musik heißt Musique concrète (französisch für „konkrete Musik“). Schon 1948 entstanden seine „Cinq études de bruits“ (deutsch: „Fünf Geräuschstudien“). Um 1950 begannen Komponisten dann, direkt mit dem Tonband zu arbeiten. In Köln arbeitete Karlheinz Stockhausen mit elektronisch erzeugten Klängen. In seinem Stück „Gesang der Jünglinge“ (1955–1956) verband er eine aufgenommene Knabenstimme mit elektronischen Klängen.

In der Popmusik wurde besonders der Synthesizer wichtig, ein Gerät, das Klänge elektronisch erzeugt und verändert. Die Musikerin Wendy Carlos beriet ab 1964 Robert Moog beim Bau des Moog-Synthesizers. In den 1970er-Jahren wurde der Synthesizer zum prägenden Instrument der Popmusik; Rockrichtungen wie der Progressive Rock setzten elektronische Tasteninstrumente auffällig ein. Bis in die 1980er-Jahre entstanden viele Stile, die elektronische Klänge nutzten: Aus den Tanzmusik-Stilen Disco und Funk entwickelten sich zum Beispiel House (aus Disco) und Electro Funk (aus Funk). Gruppen wie Kraftwerk und Depeche Mode leisteten Pionierarbeit für spätere Stile wie Techno.

Beim Techno steht ein elektronisch erzeugter Schlagzeug-Rhythmus im Mittelpunkt. Er kommt von einem Drumcomputer, einem Gerät, das Schlagzeugklänge elektronisch abspielt. Beim Sampling werden kurze Stücke aus Aufnahmen herausgenommen und neu verwendet. Daraus entstehen Loops, also Schleifen, die immer wieder wiederholt werden. So entsteht der typische, sich wiederholende Klang.