Neue Musik: Merkmale, Techniken und Hörweisen

Im Alltag bedeutet „neue Musik“ einfach: Musik, die gerade erst erschienen ist, zum Beispiel ein Song, der letzte Woche herauskam. Das ist eine Zeitangabe. Im Musikunterricht meint Neue Musik etwas anderes. Es ist ein Fachbegriff aus der Musikgeschichte, den man meist mit großem N schreibt.

Neue Musik ist ein Sammelbegriff, also ein Wort, das viele verschiedene Dinge zusammenfasst. Gemeint sind viele Strömungen, also Richtungen, komponierter westlicher Kunstmusik von etwa 1910 bis zur Gegenwart. Kunstmusik nennt man Musik, die Komponisten meist genau aufschreiben und die vor allem für Konzertsaal und Opernhaus gedacht ist. Westlich heißt hier: aus der Musiktradition Europas und Nordamerikas. Der Schwerpunkt liegt auf dem 20. Jahrhundert, vor allem auf seiner ersten Hälfte.

Den Begriff prägte der Musikjournalist Paul Bekker. Er hielt 1919 einen Vortrag mit dem Titel „Neue Musik“. Grob teilt man die Zeit in zwei Abschnitte: Die Zeit von etwa 1910 bis zum Zweiten Weltkrieg nennt man oft Moderne. Die Zeit nach dem Krieg bis ins 21. Jahrhundert heißt meist Avantgarde; das französische Wort bedeutet „Vorhut“, also die Gruppe, die vorangeht. Für die Musik der Gegenwart im engeren Sinn sagt man auch zeitgenössische Musik.

Was verbindet die vielen Richtungen? Die Komponisten suchten nach neuen Klängen, neuen Formen oder neuen Verbindungen alter Stile. Manche führten Traditionen fort, andere brachen bewusst mit ihnen. Besonders die Anfänge der Neuen Musik prägen teils radikale Erweiterungen von Klang, Harmonie (dem Zusammenklang der Töne), Melodie, Rhythmus und Form.

Material nennt man in der Musik die Bausteine, aus denen ein Komponist ein Stück baut. Auf der Suche nach neuen Klängen machten Komponisten der Neuen Musik auch Geräusche, Stille, Sprachlaute und elektronische Klänge zu solchem Material.

Geräusch: Pierre Schaeffer gilt als Pionier der Musique concrète (französisch für „konkrete Musik“). Ein frühes Werk sind seine „Cinq études de bruits“ (fünf Geräusch-Studien) von 1948. Bei dieser Technik komponiert man mit aufgenommenen Klängen, die auf einem Tonträger gespeichert sind. Damals war das ein Tonband, also ein Magnetband zum Aufnehmen. Die Aufnahmen können Instrumente enthalten, aber auch Alltagsgeräusche. Dann werden sie verfremdet: Man schneidet das Band und setzt es neu zusammen, spielt es rückwärts, schneller oder langsamer ab oder lässt ein Stück als Schleife immer wieder laufen. Ändert man die Abspielgeschwindigkeit, ändern sich Tempo, Tonhöhe und Klangfarbe.

Stille: Der US-amerikanische Komponist John Cage, ein Schüler Arnold Schönbergs, schrieb 1952 das Stück „4′33″“ (gesprochen: vier Minuten dreiunddreißig Sekunden). Es hat drei Sätze, also drei Teile. Der Spieler zeigt die Dauer der drei Sätze an; zusammen dauern sie so lange wie der Titel. Er darf dabei selbst keine absichtlichen Klänge erzeugen. Was zu hören ist, sind die Geräusche der Umgebung. Cage meinte: Die Dauer ist das Einzige, was Stille und Klang gemeinsam haben. Ein Stück besteht für ihn aus Zeitfenstern, die mit Klängen, Stille oder Geräuschen gefüllt sein können. Für dich als Zuhörer heißt das: Die Geräusche im Raum sind hier keine Störung, sondern der Klang des Stücks.

Sprache und Elektronik: Elektronische Musik entsteht aus Klängen, die mit Geräten erzeugt werden; man nennt sie synthetische Klänge. Karlheinz Stockhausen verband in seinem Tonbandstück „Gesang der Jünglinge“ (1955–56) solche Klänge mit der aufgenommenen Stimme eines Jungen. Die Laute der Stimme wurden dabei in elektronische Musik überführt. Luciano Berio nutzte in „Thema. Omaggio a Joyce“ (1958) die aufgenommene Stimme der Sängerin Cathy Berberian; ein Gedicht des Schriftstellers James Joyce wurde zur Grundlage einer „verbalen Musik“, also einer Musik aus Worten. Luigi Nono stellte in „La fabbrica illuminata“ (1964) eine Sängerin neben Fabrikgeräusche, Chor und synthetische Klänge. György Ligeti erfand für „Aventures“ (1962) einen eigenen Vorrat an Lauten ohne Wortbedeutung.

Viele Lieder, die du kennst, stehen in einer Tonart, etwa C-Dur. Ein Ton ist dann der Grundton: Die Melodie kehrt oft zu ihm zurück, und am Schluss klingt er wie „zu Hause angekommen“. Diese Ordnung heißt Dur-Moll-Tonalität. Auf dem Klavier gibt es von einem C bis kurz vor das nächste C zwölf verschiedene Töne, weiße und schwarze Tasten. Spielt man sie alle nacheinander, erklingt die chromatische Tonleiter. Der Abstand von einer Taste zur nächsten heißt Halbtonschritt.

Atonalität heißt: Die Musik beruht auf der chromatischen Tonleiter, aber ihre Melodien und Zusammenklänge sind nicht auf einen Grundton festgelegt. Sie hat also keine Tonart im Sinn von Dur und Moll. Das Wort benutzten zuerst konservative Musikkritiker, also Kritiker, die am Gewohnten festhielten, als Kampfwort. Sie richteten es besonders gegen Arnold Schönbergs „Drei Klavierstücke op. 11“ von 1909 (op. steht für Opus, also Werknummer). Schönberg und sein Schüler Alban Berg lehnten das Wort ab, weil sie es als „ohne Töne“ verstanden statt als „ohne Tonart“. Atonalität ist eine Kompositionstechnik, also eine Art, Musik zu bauen, und kein eigener Stil. Für sich allein schreibt sie keine feste Reihenfolge der Töne vor.

Die Wiener Schule, das sind Schönberg und seine Schüler Anton Webern und Alban Berg in Wien, entwickelte die Atonalität weiter zur Zwölftontechnik. Dabei legt der Komponist zuerst eine Grundreihe fest. Sie enthält jeden der zwölf Töne genau einmal. Die Reihe kann gespiegelt sowie aufsteigend oder absteigend eingesetzt werden. Zwei verbreitete Formen sind der Krebs, bei dem die Reihe rückwärts läuft, und die Umkehrung, bei der jeder Schritt nach oben zu einem gleich großen Schritt nach unten wird und umgekehrt. Festgelegt ist in der Zwölftonmusik die Folge der Tonhöhen.

Der Serialismus (serielle Musik, von „Serie“, also Reihe) geht einen Schritt weiter. Bei der Zwölftonmusik ist lediglich der Tonhöhenverlauf als Reihe festgelegt. In der seriellen Musik werden auch andere Eigenschaften des Klangs in Zahlen gefasst und vorab in Reihen geordnet: die Tondauer, die Lautstärke und die Klangfarbe. Zur Klangfarbe zählt, besonders bei Klaviermusik, auch die Spielart, etwa ob ein Ton kurz gestoßen oder gebunden gespielt wird. Solche Eigenschaften heißen Parameter. Am Anfang stehen Klavierstücke des US-Amerikaners Milton Babbitt ab 1947. In Europa befassten sich um 1950 unter anderem Pierre Boulez und Karlheinz Stockhausen damit.

Die Aleatorik kommt vom lateinischen Wort alea, das „Würfel, Risiko, Zufall“ bedeutet. Sie entstand in der Musik nach 1950 als Kompositionstechnik, die weitgehend auf Zufall beruht. Zufall kann beim Komponieren eingesetzt werden oder bei der Aufführung. Er kann zum Beispiel über die Art und Anzahl der Instrumente, die Dauer des Stücks, die Reihenfolge der Abschnitte oder das Tempo entscheiden. John Cage überließ Einzelentscheidungen Zufallsverfahren und nutzte dafür gern das I Ging, ein altes chinesisches Buch. In „Imaginary Landscape No. 4“ (1951) gab er Regeln vor, wie Radios bedient werden; was die Sender gerade bringen, lässt sich aber nicht vorausberechnen.

So hältst du die vier auseinander: Atonalität beschreibt, was fehlt, nämlich ein Grundton. Zwölftontechnik und Serialismus legen vorab Reihen fest, die eine für die Tonhöhen, der andere auch für weitere Parameter. Die Aleatorik überlässt dagegen Entscheidungen dem Zufall.

Woran erkennst du Musik aus den Anfängen der Neuen Musik? Auffällig ist der neue Umgang mit Dissonanzen. Eine Dissonanz ist ein Zusammenklang, der reibt und spannungsvoll klingt; eine Konsonanz klingt ruhig und wohlklingend. Früher führte man Dissonanzen meist in Konsonanzen weiter, man „löste sie auf“. In der Neuen Musik stehen Dissonanzen gleichberechtigt neben Konsonanzen und werden nicht mehr aufgelöst. Das tonale System ist weitgehend aufgelöst und zur Atonalität erweitert. Weitere Merkmale sind sehr hohe und sehr tiefe Tonlagen, extreme Lautstärkegegensätze vom pppp (äußerst leise, p für italienisch piano) bis zum ffff (äußerst laut, f für forte), zerklüftete Melodien mit weiten Sprüngen, ein freier Rhythmus ohne festen Takt und neuartige Besetzungen. Die Form ist oft ungleichmäßig gebaut, Gegensätze folgen rasch aufeinander, und oft sind Stücke sehr kurz.

So ordnest du ein Werk begründet ein: Beschreibe zuerst, was du hörst oder liest. Gibt es einen Grundton? Bleiben Dissonanzen stehen? Kommen Geräusche, Stille, Sprache oder Elektronik vor? Wie verhalten sich Lautstärke, Melodie und Rhythmus? Sammle dann mehrere Merkmale, denn ein einziges reicht selten. Prüfe außerdem die Entstehungszeit. Formuliere vorsichtig: „Das spricht für …“ statt „Das ist eindeutig …“. Nenne am Ende, was du nicht sicher sagen kannst.

Grenze 1: Die Merkmalliste oben betrifft die Anfänge der Neuen Musik. Für die Minimal Music gilt sie nur eingeschränkt, ebenso für Crossover, also Mischungen aus Jazz und anderer zeitgenössischer Musik. Minimal Music ist eine Richtung, die mit kurzen Mustern arbeitet (englisch Pattern). Für sie typisch sind viele Konsonanzen, lange gleichbleibende Harmonien und das Fehlen klarer Schlusswendungen. Philip Glass ließ in frühen Werken Muster durch Hinzufügen und Weglassen auseinander hervorgehen.

Grenze 2: Die Zuordnung war nicht immer unumstritten. Ab etwa 1920 prägte der Neoklassizismus die europäische Musik. Seine Komponisten strebten nach Klarheit und Einfachheit und lehnten den starken Gefühlsausdruck der Spätromantik ab, der Musik des späten 19. Jahrhunderts. Sie schrieben meist in erweiterter Tonalität, also mit freier behandelten Tonarten, und nahmen sich oft die Musik des 18. Jahrhunderts zum Vorbild. In den 1920er-Jahren zählten Hans Mersmann und Heinrich Strobel gerade Igor Strawinsky und Paul Hindemith, deren damalige Werke man heute neoklassizistisch nennt, zu den Hauptvertretern der Neuen Musik. Später benutzte man das Wort „Neoklassizismus“ dagegen abwertend, um solche Musik von der Neuen Musik abzugrenzen. Auch der Begriff selbst wandelte sich: Je nach Zeitabschnitt im 20. Jahrhundert meinte „Neue Musik“ eine andere Musikrichtung.

Grenze 3: Manche Ordnung hört man kaum. Bei Philip Glass entstehen so lange Figuren, dass man ihre Beziehungen beim Hören nicht mehr nachvollziehen kann; die Musik wirkt aber „hypnotisch“. Ob ein Stück auf einer Zwölftonreihe beruht, prüfst du sicherer in den Noten als mit dem Ohr.